More songs about food and revolutionary art

On me retrouve à une autre adresse, ok ?

2008-10-07T20:13:00.003+02:00

http://des-chibres-et-des-lettres.blogspot.com/

Christophe - Aimer ce que nous sommes (Az/2008)

2008-08-26T18:49:00.006+02:00

Il faudrait à force ne plus être surpris de la carrière de Christophe. Celui qui aurait pu comme tant d'autres s'éteindre après le tube d'un été – Aline – n'a cessé depuis 40 ans de pousser la chanson hors de ses structures canoniques. Le succès de ses titres les moins tortueux l'aura toujours amusé, et c'est non sans un certain émerveillement qu'on le voit s'en étonner encore. Car Daniel Bevilacqua a toujours eu les yeux braqués ailleurs, dans une quête d'excellence plus intimiste que trop publique. Aimer ce que nous sommes en est le plus vibrant exemple. Passés deux ou trois titres à l'émotion claire et tendue – Mal Comme, Parle Lui de Moi – Christophe avance dans un étrange concert de kitscheries et d'expérimentations totales. Christophe reste grand romantique martelant salves de mots bleus, mais en tant que poète d'aujourd'hui, il manipule la forme musicale comme les plus audacieux – faisant de ses textes des calligrammes et de ses compositions des images de film.
Son imprudence à lui est d'avoir convoqué autant d'univers que de participations à l'album. Christophe Van Huffel, guitariste de Tanger, apporte les frissons suspendus de Chris Isaak et de puissantes décharges noise. A ceux-ci s'ajoutent les cordes de Eumir Deodato – qui ont consacré Björk pour Homogenic –, la trompette d'Erik Truffaz et – comble du raffinement – l'électronique du génial Mexicain Murcof. On pourrait encore name-dropper des dizaines de personnes, tous de passionants personnages d'horizons fous, plaçant chacun son allumette sur la maquette rétro-futuriste dessinée par Christophe.
S'il faut donc l'écouter avec une minutie d'entomologiste, du fait de son ambition et de sa densité, Aimer ce que nous sommes n'en est pas moins un vrai disque d'auteur, dont le spleen erratique conquira les coeurs les plus fébriles. A bon entendeur.

5/5

David Bowie - Heathen (Columbia/2002)

2008-08-21T20:33:00.002+02:00

Dans les figures emblématiques que l'on ne considère qu'à l'état venteux, il n'y a guère que Miles Davis et David Bowie. L'un comme l'autre n'ont jamais trouvé de forme définitive, portés par un mouvement de réinvention effréné, limite inquiétant dans leur manière de tenir par les couilles le futur musical que nous allions vivre. Davis a imaginé le jazz dans sa face la plus lumineuse et contemplative – son jazz modal – avant de gratter à l'autre bout, du côté du brouillard rock et des orages électriques ; Bowie, dans un geste similaire, a franchi toutes les barrières de la théatralité pop avant de se renfermer et de s'enfoncer dans l'obscurité Berlinoise. Miles Davis est mort en annonçant le hip-hop, sans génie, avec juste le don de ceux qui annoncent les décennies prochaines ; s'il est écrit qu'il connaîtra le même destin, David Bowie aurait pu mourir pas mal de fois ces vingt dernières années – par exemple en 1995 à la sortie d'un Outside très moyen qui formalisait tout de même l'importance de la techno et de la scène industrielle, préfigurant du même coup l'electroclash.

Toute cette grande introduction pour dire qu'on ne penser pas trouver, en 2002, un disque de Bowie à l'allure solide. Un album dur comme de la pierre, qui n'a rien à dire au-delà de ces extrémités, petite boîte à secret, parenthèse entre des disques médiocres et simulaténemnt prophétiques. Heathen est juste un bon album, sobrement rock à l'occasion (avec reprises de Neil Young et des Pixies à la clé), grandiloquant lors de refrains très début 70's, héritant de l'étrangeté de Low ou Heroes pour d'hypnotiques balades (Slip Away, I Would Be Your Slave). Pas d'égarement, plus d'envie de changer le monde : Bowie est à cet instant un grand homme digne devant sa condition d'artiste vieillissant. Il n'en faut pas plus pour l'aimer comme au premier jour.

4/5

Arab Strap - The Week Never Starts Round Here (Chemikal Undergound/1996)

2008-08-20T19:47:00.004+02:00

Difficile, toujours, de parler d'un des groupes que l'on considère sans doute parmi ses préférés. Surtout quand le paradoxe s'installe et que l'on va parler de leur album le moins bon. Leur premier, The Week Never Starts Round Here, n'est qu'un brouillon dont le sens et l'assise ne s'imposent que dans l'après-coup – une fois le groupe séparé et qu'il ne reste plus qu'à regarder dans ses rétros. Arab Strap, duo écossais, a pendant dix ans joué la musique évocatrice que l'on aurait jamais osé rêver. Proches de Belle & Sebabastien (preuve en est leur célèbre dédicace The Boy with the Arab Strap) et de Mogwai (ils s'invitaient les uns les autres sur leurs disques, notamment sur Young Team), Aidan Moffat et Malcolm Middleton ont, à eux deux, crée une formule bicéphale aux effets proprement magiques. Moffat, poète ivre de filles laides et de cul, frère Guiness de Gainsbourg, marmonne des centaines de lignes d'un texte cru et fragilisé par les airs de son compère Middleton ; lui, multi-instrumentiste, armé d'une boîte à rythmes à la vétusté indécente, se charge de créer des atmosphères et des soubresauts synthaxiques. Cette dualité, belle et immortelle dans les enregistrements de Philophobia ou the Red Threat, se voit ici enregistrée en plein work in progress – sorte de caméra embarquée en pleine préparation d 'avant JO : ce sont des foulées prometteuses, des temps de récup et des essais techniques auxquels on assiste. Le relai ne se passe pas toujours – à deux reprises Middleton arrête de jouer, ou Moffat continue à parler une fois la chanson finie, le tout sur plusieurs minutes bizarres. A d'autres moments, Moffat est également obligé de chanter, chose à ne surtout refaire. En somme, les deux se jaugent encore assez mal, et pourtant on sent que déjà quelque chose est en gestation. The Clearing, assaut shoegaze d'un genre nouveau, General Plea of a Girlfriend et Little Girls : voilà trois morceaux qui préfigurent le meilleur, le spleen fou de deux losers à la comptabilité confondante. Que dire de plus, si ce n'est que la seule raison de parler de ce disque, c'est que l'on commence toujours les plus belles histoires par le début.

3.5/5

Blue Sky Black Death - Late Night Cinema (Babygrande/2008)

2008-08-13T00:17:00.004+02:00

Vous voulez encore du Babygrande Records, avec ce que je viens de dire sur Snowgoons ?

Blue Sky Black Death, aussi connus pour leurs travaux personnels que pour leurs productions pour l'affilié Wu-Tang The Holocaust, font leur balade noctambule avec ce Late Night Cinema qu'on aurait toutes les raisons de craindre ; il est presque aussi symphonique que le Black Snow des allemands ou qu'un album de Craig Armstrong. Finalement, par un sentiment très simple, a priori peu flatteur, aucune lourdeur instrumentale ne vient plomber cette tentative introspective. La grande monotonie qui nous prend rapidement permet effectivement d'arrondir les pics qui auraient pu s'avérer trop dramatiques. Les dix pièces de Late night Cinema se ressemblent toutes plus ou moins, possèdent en elles la même répetitivité, la même narration nonchalante et anti-démonstrative. Pris dans les mouvements d'une heure de grande fatigue, Late Night Cinema déroule un hip-hop instrumental ouaté, empreint d'une grande beauté résignée, utilisant les samples célèbres (Morricone, Le dernier des Mohicans) comme on étreint son coussin en plein sommeil. Avec une qualité intrinsèque limitée – si ce n'est l'utilisation parfaite des samples vocaux, les Blue Sky Black Death déambulent dans leur propre nostalgie. Et nous, on se fait prendre par les sentiments.

4/5

Snowgoons - Black Snow (Babygrande/2008)

2008-08-12T11:50:00.006+02:00

Le hip-hop germanique va venir nous glacer le sang et nous bourriner à coups de beats meurtriers. C'est ce que l'on nous promet. Signés sur le vénéré label underground Babygrande et déjà riche d'un premier album remarqué, Snowgoons, quatre Allemands dans le vent, nous reviennent avec un Black Snow déjà applaudi par une grande partie de la communanuté hip-hop. Pour ma part, c'est plutôt le rire nerveux qui l'emporte. Ils sont allemands, mais doit-on les pardonner pour autant de sampler tous les ersatz de Wagner qu'ils connaissent? J'éprouve même une sorte de honte : comment peut-on se faire griser par un sampling aussi désastreux, pyromane et grossier ? Rien de sombre là-dedans, juste une chevauchée de conneries symphoniques d'un goût plus que douteux, que n'arriveront même pas à dissimuler les tracks plus honorables que sont Who ?, Starlight et Ride On. Et comme ils le disaient eux-mêmes sur Rap2k.com "Le Hip Hop n'est pas mort tant nous serons dedans". C'est bien ça qui me fait peur.

1/5

Stephan Bodzin - Bremen-Ost EP (Herzblut/2008)

2008-08-10T23:17:00.003+02:00

Heureusement que ce blog n'existait pas en 2007, au moment de la sortie de Liebe Ist... – premier long format de l'Allemand Bodzin – ; j'en aurais fait des tonnes pour convaincre qu'il était un album sublime et je l'aurais bien vite regretté. Cette techno minimale light a foudroyé pas mal de gens par son pedigree mélodique inconstestable, pourtant une fois la stupéfaction passée on reste un peu désabubusé de s'être fait prendre au piège comme ça. Le systématisme de la formule et la surexploitation des basses-séismes l'ont rendu bien indigeste, plus Liebig qu'autre chose, voyez. J'en étais même venu à penser que Bodzin, s'il continuait comme ça, allait devenir quelque chose comme un Mike Oldfield de la techno, un espèce de monstre pénible à l'odeur trop forte pour ne pas faire vomir sur le champ.

Bien m'en a pris que d'écouter son nouveau EP puisqu'il dissipe toutes mes craintes South Parkiennes. En deux titres je suis rassuré, lavé des restes de dégueulis de claviers qui me souillaient la tête. Bodzin n'a pas changé du tout au tout, n'allez pas croire, il a juste fait un ravalement de façade : il a rendu sa musique plus corporelle, plus puissante, plus énigmatique aussi. Bremen-Ost, surtout, est impressionant. Presque racé comme du Para One, il vrille en même temps l'esprit avec son ambiance flippée et pour une fois pas du tout racoleuse. J'ai simplement envie de dire ouf.

4/5

Time of Orchids - Sarcast While (Tzadik/2005)

2008-07-28T23:27:00.006+02:00

Dans les grands disque d'avant-garde, j'ai déjà parlé de Boredoms. Voilà le tour des grands inconnus que sont Time of Orchids – qui ont d'ailleurs splitté il y a peu mais qui s'en soucie ? Sarcast While est pourtant un grand disque. Imposant et définitif ; compliqué et dur à appréhender. Parce que Time of orchids est un groupe de nerveux. Leur échafaudage est rongé par d'inébranlables tics maladifs, d'inquiétantes pulsions auto-destructrices et la tendance au contre-temps rythmique d'une batterie toujours au bord de la saccade et de l'implosion. Comme ces personnes qui, d'un seul coup, voient leur visage défiguré par des grimaces à la motorisation inconnue.

Musique crispée, polluée par le stress, Sarcast While n'en est pas moins, comme le disait Breton, une musique pétrie d'une beauté convulsive. Une beauté qui se vomit, qui germe et gerbe un peu partout, aux quatre coins d'un math-rock sans rigueur – une suite de chiffres et d'opérations insensées. Aussi rapidement que ça disparaît, le temps d'un instant ou deux, tout le bordel reprend forme, les mélodies se tiennent enfin et les rythmes restent en place. On se dit alors que c'est merveilleux, rien de moins, rien de plus. Et puis ça fout le camp et on attend la prochaine illumination.

Reste que, si l'on possède l'obstination suffisante, on finira par se sentir à l'aise avec cette musique difficile. On la sentira frémir, reculer, se désagréger, avancer un peu et oser plus franchement se confesser. Et il y aura dans ces moments-là moyen de finir pétrifié, comme sur un dernier morceau, All We Ever Wish, qui, dans le dialecte de ces convives de John Zorn – sur son label Tzadik –, n'est rien d'autre qu'une simple chanson d'amour.

Et c'est une fois ému par ce groupe de bègues anxieux que l'on pourra mieux comprendre leur musique, que l'on pourra enfin dire à quoi ça ressemble. À quelque chose comme du progressif industriel. Genre qui n'existe pas mais qui ramène à des mondes connus. C'est déjà ça, et l'on pourra aussi s'amuser à faire un brainstorming des artistes que ça évoque – Aphex Twin et Dillinger Escape Plan ensemble sur Ours, Engendered, Pink Floyd sur It Gone, Dead Can Dance ici, Naked City là, Talk Talk au loin. Des noms qui s'esquissent, qu'on pense toujours rêver. Qui vont et viennent à l'esprit comme vont et viennent les crispations expérimentales de Time of Orchids, déposant l'écume d'un songwriting habité et bouleversé.

5/5

[ Claro Intelecto - Metanarrative (2008/Modern Love) ] [ Rone - Bora Ep (2008/In Finé) ]

2008-07-20T12:49:00.003+02:00

Musique d'after totale, Claro Intelecto n'en est pas moins cité par les plus grands, Villalobos en tête, comme un des fers de lance de la rénovation minimale. On retrouve ses tracks dans certains des mixs les plus excitants du genre. Certainement grâce à cette fascination simple et naïve pour les rythmes binaires, puissants et quelque peu désuets. On lui reconnaît aussi un amour intarissable pour Carl Craig et Jeff Mills au travers d'enveloppes mélodiques ultra référentiels. Voilà un producteur qui par quelques tours de passe-passe se retrouve associés aux plus grands quand sa musique aurait simplement pu être qualifiée de "power-lounge", artifice d'accompagnement de cocktails testostéronés.

N'empêche, si le gars ne m'intéresse pas trop, il aura ouvert la voie à d'autre, comme ce délicieux Rone, tout juste découvert et parrainé par Agoria. Il reprend le même squelette, des rythmes qui peuvent se caler dans tous les mixs et immense propension à l'évasion mentale. En juste cinq titres, il nous prouve néanmoins que son champ d'action est beaucoup plus vaste et moins systématique. Bora nous fragilise d'entrée dans ses deux versions, par son rythme galopant et son superbe mélodique. Le mix vocal où est samplée la voix de l'écrivain Alain Damasio est proprement bouleversant – enregistrement d'un work in progress littéraire aux confins de la folie. Flesh nous rappelle ensuite aux bons moments de Yasume et Saycet – petits miracles de click'n'cut tristounette. Spanish Breakfast nous plonge dans une pure techno minimale, riche et addictive et pour finir, Dry impressionne par la finesse et l'originalité de sa mélodie, ni vraiment Morriconienne, ni vraiment japonisante, quelque part entre les deux pour notre plus grand trouble.

Il y a de quoi être heureux : Claro Intelecto confirmé comme acteur important, Rone immense espoir, il y a de la résistance ; les gars de chez Dial records, Pantha du Prince, Efdemin et Lawrence n'ont pas le monopole de la dépression techno.

4/5

Maxïmo Park - A Certain Trigger (Warp/2005)

2008-07-20T12:40:00.002+02:00

Warp s'ouvre au rock, on aura tout vu. Le plus emblématique label du "j'expérimente dans le tout synthétique" qui édite des disques avec des bonhommes qui jouent derrière leur instrument, c'est bizarre. Mais une fois qu'on écoute les !!! ou Battles on est rassurés : c'est le fleuron d'une musique complexe et novatrice que Warp continue à fouiller – et cette foi-ci pas besoin de montrer son laptop à l'entrée. Je n'aime pas plus que ça les groupes que je viens de citer : !!!, c'est sympa, mais c'est du Talking Heads avec des muscles, et Battles, qu'est-ce que c'est agaçant ; cela dit, dans l'idée ça fait plus que se défendre comme signatures. Donc je suis curieux, très curieux à l'idée d'écouter ce premier album de Maxïmo Park, grosse sensation rock en 2005. Et puis je ne comprends pas. Qu'est-ce que ça vient foutre dans le catalogue Warp ? C'est du rock, bien gras, avec un chant hérité du punk et quelques claviers échappés des 80's. C'est bien produit, quelques mélodies se collent au cerveau et on a même droit à un intrigant et plutôt kitsch spoken-word – Acrobat. Mais où est l'éthique Warp ? Impossible à croire mais on dirait bien un coup de pub, de fric. Avec un groupe qui pourrait rentrer en battle avec Franz Ferdinand. Pas de colère contre Maxïmo Park, ils font leur truc et s'éteindront au premier hiver un tant soit peu difficile. Il y a juste de quoi s'attrister pour Warp, avaient-ils vraiment besoin de ça ? Heureusement que la récente sortie du premier Flying Lotus semble me faire mentir, que ce n'est qu'un accident, une épine isolée dans une actualité vierge. Espérons.

2/5

Sigur Rós - Með suð í eyrum við spilum endalaust (EMI/2008)

2008-07-20T12:28:00.003+02:00

Vivre c'est échanger ! On mélange nos sangs, on se raconte nos traditions et le monde ira mieux – moins de guerre, plus d'écoute, de respect, tout ça tout ça ! Foutaises, c'est ce qui a perdu Sigur Rós !

Ils sont toujours fiers de leur Islande, bien sûr, mais que reste-t-il de ce pur témoignage qu’était Agaetis Byrjun ? Que sont devenues ces drôles de symphonies absurdes, ces orchestres pour pop folklorique et leur trop-plein de cœurs traficotés ? Des résidus, que l'on trouve chez les pourtant très respectables Album Leaf, Julian Fane ou autres Radiohead. A la maison, chez Sigur Rós, il ne reste plus guère qu'une même syntaxe, une certaine façon de raconter des histoires. Sauf que les nouvelles ne font plus rêver du tout. Takk était un tour d'honneur : des compositions vidées de leur substance mais poignantes dans un jubilé où les conventions des Islandais se cognaient à leur propre mort, où les longueurs neurasthéniques explosaient en des plans à la U2 – U2, rendez-vous compte ! C'était leur coup de tête à Materazzi, dans un sens, une sortie ambiguë aussi détestable que jouissive.

Et après ça, que faire ? Ils ne pouvaient tout de même pas se retirer du monde de la musique et laisser Mùm rater le dernier penalty ! Alors ils continuent, sans qu'ils n'aient plus la forme ou l'envie de gagner, en ayant perdu la conviction de leur musique et en piochant à la place dans tout le petit monde anglophone. Triste disque même pas attendu, juste un peu plus sautillant pour faire croire à une seconde jeunesse. Evaporée complètement cette grâce étrange qui nous a fait regarder là haut, vers cet îlot méconnu, les oreilles pointées religieusement vers ces enfants sauvages de la musique. Sigur Rós s'est perdu dans le monde, dans la vitesse des tournées et des modes, dans un vent qui érode tout – ici le précieux qui marquait leur naïveté. Aujourd'hui, ma fois, il reste de quoi remplir des milliers de salles de concert – de la même façon que des milliers achètent des compilations de musique relaxante à Nature & Découverte.

1.5/5

Top 2008/2

2008-07-06T22:40:00.004+02:00

Ce blog pue déjà un peu la mort. Mais c'est l'été aussi. En tout cas, le soleil, ça donne envie de faire des tops. Et moi ça me donne envie de faire la sélection des disques que j'emporterai en montgolfière. Comme je n'arrive pas à trier plus drastiquement les derniers sélectionnés, je vous balance un petit troupeau de 12 galettes incontournables :

12 Bersarin Quartett : Bersarin Quartett (2008)
Dans la plus pure lignée de Max Richter ou de la guimauve Craig Armstrong : des tapis de violons, un peu d'électronique et de samples. Il y a un côté Cinematic Orchestra aussi. Pas essentiel mais très bien mené, avec ce qu'il faut de troublant et de simplement émouvant.

11 Why ? : Alopecia (2008)
Je sais plus si quand j'avais parlé de ce disque, j'avais évoqué Cronenberg. En tout cas Why c'est pareil : plein de mutations, tout le temps, et aujourd'hui une réconciliation de tous ses monstres dans quelque chose de véritablement stable. Ça en jette moins, du coup, et Yoni Wolf n'en fait plus des tonnes pour signifier qu'il est marginal. Sa musique, elle, devient plus solide et durablement touchante.

10 Alain Bashung : Bleu Pétrole (2008)
Ce choix est sans doute le plus affectif de tous. Bleu Pétrole est très discret, voire même fade, de la même façon que le personnage de Bashung continue, pépère, son petit train de vie. Pourtant, dans cet album comme dans son actualité, le drame affleure quand on y porte suffisament d'attention.

9 Gilles Peterson : In the house (2008)
Allez, encore une compilation mixée de Gilles Peterson ! Et encore une qui excite à la folie ! Trois disques : d'abord une vraie compilation house – du neuf, du vieux, bourré de toutes les musiques du monde, ensuite un remarquable mix disco-funk et pour finir une sélection de douze inédits de la house la plus pointue et actuelle. Bref, quelqu'un qui a ça dans les mains, qui l'écoute plusieurs fois, il ne peut plus dire qu'il ne sait pas ce qu'est la house. Si la musique avait un pays, Gilles Peterson en serait le président !

8 Evangelicals : Evening Descends (2008)
Pendant que le monde déconnait à propos de Lightspeed Champion, on a oublié de parlé du nouveau Evangelicals. Leur premier album, clairement, était un bordel sans nom – un peu comme les appartements de c'est du propre ! avant que les deux pétasses arrivent. Là, ils savent où ils vont, et font d'Evening Descends un des sommets du genre. C'est un peu comme si les Flaming Lips buvaient plein de Redbull et gagnaient la vieille énergie de Weezer. Alors moi ça me plait.

7 Munk : Cloudbuster (2008)
Avec la terrible vague disco qui déferle un peu partout sur l'électro, on peut être content de voir que quelques uns ne semblent pas a priori destinés à s'oublier dans les trois mois. Il y a bien un bon gros nuage de hype au dessus de ce disque – comment ça ne pourrait pas être le cas avec Asia Argento en guest ? – , mais on sent chez le patron de Gomma quelque chose de plus fort, peut-être pas plus sincère mais en tout cas plus enraciné. Il y a un brin de nostalgie et de rêverie qui me font croire à quelque chose d'un peu particulier.

6 Kylie Minogue : X (2008)
Oui, alors donc, ce que je disais sur Munk, ici c'est tout le contraire ! Que du superficiel ! Du retentissant ! Calvin Harris, les Scissors Sisters crédités, un sample de Gainsbourg, les pires ballades du monde ! N'empêche, aucun album mieux que celui là ne représente notre passion orgiaque pour les 80's. En étant un peu dingue, on peut même y trouver du New Order et du Kraftwerk. L'album festif de l'année, sans aucun doute.

5 Bruno Pronsato : Why Can't We By Like Us (2008)
Pour son premier album, Pronsato n'y va pas de main morte ! C'est de la techno minimale terriblement cérébrale, aride au possible, déglinguée dans tous les recoins et sans la moindre forme de concession. Difficile d'expliquer pourquoi et de décrire comment, en tout cas on reconnaît déjà la patte de Pronsato comme on reconnaît celle de Villalobos ou de Richie Hawtin. Et ça c'est fort. Et inaudible pour quasiment tout le monde.

4 Flying Lotus : Angeles (2008)
Pour faire vite, le buzz montait depuis un sacré moment autour de Flying Lotus et le moins que l'on puisse dire, c'est qu'il y avait de quoi ! Angeles est le meilleur album d'abstract hip-hop depuis des lustres. Du côté rythmique, on s'approche assez de Prefuse 73. Côté ambiance, on sent plus l'influence de Dj Krush, nocturne et mélancolique. Et puis surtout, le disque est superbement construit et amené, dans une dynamique parfaite. Un sacré boulot, qui met d'ailleurs en dehors de ma sélection le pourtant superbe Quaristice d'Autechre. Mais en mongolfière, rien ne sert d'avoir des doublons – puisque Quaristice est le trait d'union entre Flying Lotus et Bruno Pronsato.

3 Have a Nice Life : Deathconsciousness (2008)
Le même genre de tremblement de terre que le monde de l'avant-garde metal a connu avec Kayo Dot il y a quelques années. Un colossal double-album qui va chercher dans le plus noir des 80's : Jesus and Mary Chains, Death in June, Joy Division, Godflesh. Rien à dire, c'est encore une fois impressionant.

2 Prosumer & Murat Tepeli : Serenity (2008)
On le dit pas mal, ces temps-ci, c'est le retour de la house. Henrik Schwarz sort un live particulièrement écouté, Gilles Peterson nous sort sa triple compilation... Mais tout ça, c'est plus de la promotion qu'autre chose ! Une bien belle mise en vitrine mais quand même ! Ce qu'on attend, c'est des nouveaux standards, et Serenity en est un. Il est dansant, beau à pleurer, tout embrûmé de claviers somnambules et de voix soul. Un régal, du début à la fin, un régal introspectif.

1 Cass McCombs : Dropping The Writ (2008)
Roulemements de tambour : th th th th th th th th th th th. Voilà, c'est lui mon album de mi-2008, Dropping the Writ de Cass McCombs. Je l'attendais depuis longtemps, ce disque pop qui pouvait m'accompagner en toute saison, un peu comme Ok Computer ou I Can Hear the Heart Beating as One – Yo la tengo. Je le tiens entre les paluches, ça y est, et il me suit un peu partout, rarement pour l'écouter, plutôt pour pouvoir toujours le faire. C'est varié, bien produit, magnifiquement interprété, blablabla, écoutez le et faites pas chier.

Munk - Cloudbuster (Gomma/2008)

2008-06-19T15:19:00.003+02:00

Gomma, j'ai déjà évoqué cette structure avec Rodion et leur italo-disco pour le moins réjouissante. On en a aussi beaucoup entendu parler avec la sortie remarquée – à défaut d'être remarquable – du dernier Headman. Maintenant, c'est l'un des deux papas du label, Mathias Modica, qui se risque à des oreilles de plus en plus nombreuses. Il ne devrait pas trop s'en faire, quelque part, puisque son premier disque sous le pseudo de Munk avait été acclamé en 2005. La recette ne change donc pas, et Modica tient toujours entre ses pattes un animal disco-rock complexe et dansant. Quand sur Aperitivo, James Murphy venait poussait la chansonnette sur le tube Kick Out the Chairs, c'est maintenant au tour d'Asia Argento de prendre le micro sur trois morceaux. Et l'icône underground n'y va pas de main morte sur Live Fast Die Old, une tuerie absolue.

Comme chez Maurice Fulton, on sent chez Munk un amour authentique du funk primaire un peu crade, et c'est avec obstination qu'il nous conduit de morceau en morceau à taper du pied, pas toujours très fort puisque le BPM est souvent lent, mais avec une conviction presque émouvante. Loin de toute forme de mode, Munk embrasse amoureusement vieilles références et repères modernes – Daft Punkiens, Warpiens, electro-clash. Tour à tour dansant, planant et barré comme du Sun Ra, Cloudbuster s'impose d'emblée comme un gros coup de poing sur la table dans un revival disco trop soudain pour être complètement honnête.

Allez, courrez à la FNAC maintenant !

4,5/5

Cass McCombs - Dropping The Writ (Domino/2008)

2008-06-05T15:34:00.004+02:00

Cass McCombs est un chouette garçon. Chouette, ça veut dire attendrissant et respectable. Son précédant album, PREfection, était un émouvant exercice de style très humble : faire à peu près la même chose que les Smiths en leur temps, un peu timidement, un peu gauchement, mais avec plein d'amour. Alors on est infiniment heureux à l'écoute de Dropping The Writ, ravi d'entendre un album si bon et touché d'avoir vu ce bonhomme grandir aussi vite artistiquement.

Pourtant, tout partait mal. Le premier titre, Lionkiller, nous fait croire à un Cass McCombs branleur pour ados hormonés. C'est efficace – ça évoque le Velvet – mais énervant : je fais du rock et je me fous de tout. Et puis des Pregnant Pause on est rassuré, avec une sublime ballade sixties au texte très tendre. Dès lors tout s'enchaîne: That's That et Petrified Forest dans une pop irresistible, Morning Shadows, superbe comptine crépusculaire, Deseret et ses accents psychédéliques, Crick in my Neck le tube de l'année, Full Moon Or Infinity dans un registre folk idéal et enfin, pour finir, Windfall et Wheel or Forturne à faire pleurer à chaudes larmes ; tous ces morceaux viennent faire de Dropping The Writt un disque beaucoup plus varié et personnel que PREfection. Cass McCombs sort donc par la grande porte de l'ombre de Morrissey pour aller plutôt tirer du côté d'Elliot Smith et de ses albums flamboyants comme Xo.

La production est claire, riche en détails réjouissants, sans aucune atmosphère floue et pluvieuse. Cette clarté nouvelle ne vient en aucun cas rendre la musique du songwriter moins sensible, et ce grâce une qualité trop rare et trop précieuse dans l'indie d'aujourd'hui: l'interprétation vocale. Cass McCombs est un chanteur bouleversant. Il chante juste, sa voix possède un très beau timbre mais surtout, à l'instar d'un Jeff Buckley, il donne toute sa tension dramatique à la moindre parcelle de mélodie. Il n'est jamais exubérant, et dans le peu d'amplitude qu'il occupe il nous fait entendre toutes les variations possibles du même sentiment que considère Dropping the Writ – une sorte de nostalgie vivifiante.

5/5

Booka Shade - The Sun & The Neon Light (Get Physical/2008)

2008-06-04T17:29:00.002+02:00

Difficile de réprimer un léger râle de plaisir quand on est à quelques secondes d'écouter le nouveau Booka Shade. On attend même un peu avant d'appuyer sur Play, histoire de faire durer un peu plus l'attente. Il faut dire qu'avec Movements, en 2005, les deux Allemands nous avaient mis la tête sous l'eau pendant pas mal de temps, si bien qu'on le cite facilement dans les tops d'îles désertes et qu'on le fout invariablement dans le vide-poche avant de se taper 10 heures de bagnole.

C'est dire qu'on avait toutes les chances d'être déçu par leur nouvel ouvrage, et ça ne rate pas. Non, à moins d'être fan, The Sun & The Neon Light ne squattera pas des mois notre platine, on n'en fera pas des copies pour les passer à tous nos amis. En fait, les Booka Shade ont beaucoup perdu en groove. Ils font eux aussi partie de ce lot de Dj's à étrangement renier le dancefloor. Alors, oui, on annonce déjà des remix club, heureusement ! Mais il y a à mon avis erreur à considérer que chez soi, on a plus le droit à des kicks bien balancés et à des 4*4 à faire taper du pied. Car c'était ça, le truc assez fou dans Movements, ne rien céder sur le caractère sautillant de la house et pourtant aller chercher des ambiances plus électronica, plus expérimentales. C'était parfait. Là, avec ce nouveau Booka Shade, on s'ennuie ferme sur pas mal de morceaux. Regardez, un titre comme Redemption : les premières secondes captivent par leur efficacité mélodique ; et puis après plus rien, quelques variations pas très utiles, un rythme poussif qui vient beaucoup trop tard et des bidouillages Warp Records qu'on aimerait laisser aux années 90. Et du coup, avec ce genre de posture intellectuelle, on a plus trop envie de rire quand vient une blague idiote comme Charlotte, hymne house pour enfants, possible instru du nouveau Jordy.

Il y a quand même une nouveauté intéressante dans The Sun & The Neon Light, c'est l'usage très inédit des voix. On a même droit à quelques véritables chansons qui, sans être exceptionnelles, tiennent tout à fait la route et élargissent encore le specte musical des Allemands. Control Me évoque ainsi le Depeche Mode qu'on aime bien, avec son romantisme noir et ses sonorités un peu désuètes. Impossible de dire que c'est le meilleur titre de l'album, car à peu près tout reste tout de même sympathique et très bien produit.

Booka Shade a évité la catastrophe, mais attention, si on ne propose pas le redoublement, c'est parce que la prochaine fois il faudra mieux réfléchir à sa méthode de travail. Et oui, on ne déconstruit pas sur un coup de tête une musique qui tient à son cadencement éclairé.

2.5/5

Mu - Out Of Breach (Output/2005)

2008-06-01T15:02:00.003+02:00

Je vous le glisse à l'oreille mais il faudrait faire passer le mot, que ça se propage comme une bonne vieille pandémie : Maurice Fulton est un type essentiel à la musique électronique ; un mec dont le front immense génère des kyrielles d'idées géniales. L'année dernière, par exemple, en produisant une blondasse inutile du nom de Kathy Diamond, il avait crée l'un des albums les plus passionants et hors du temps du genre nu-soul.

Avant ça, il avait bourlingué à droite à gauche et sorti deux albums sous le nom de Mu, en duo avec sa compagne hystérique Mutsumi Kanamori. Out of Breach est leur second ouvrage et, il faut bien le préciser, ça n'a rien à voir avec une déclaration d'amour mutuelle.

La musique de Mu est une des plus cinglées qu'on ait vu en électroclash. On est bien loin de la fausse perversité des Peaches ou de l'accessibilité de Miss Kittin. Ici, ça pue vraiment la maladie mentale, les infirmières qui s'amusent avec les scalpels et les fous qui construisent des maquettes avec des chats morts.

Mutsumi Kanamori crie comme une damnée tout au long d'Out Of Breach. Elle tord sa voix dans tous les sens, imite la poule (sur le tube plus qu'incongru Paris Hilton), scande des "bitch bitch bitch !" dès qu'elle le peut ; vous voyez le tableau. L'exercice aurait tout pour être énervant si Fulton n'était pas derrière les manettes. Parce que le gars a de la suite dans les idées, et de la maîtrise ! Les instrus sont travaillées à l'extrème, et derrière des grosses basses bien retorses, derrière les claviers bien flashy, il y a toujours des rythmes d'une complexité folle, du funk spirituel commme chez Herbie Hancock, des structures complètement éclatées qui peuvent amener n'importe où.

Voilà pourquoi Mu est un projet surexcitant, ce n'est pas dans son côté vulgos et hystérique qu'il faut chercher la transgression mais bien dans sa profondeur musicale. C'est riche et passionant, et ça c'est un véritable message d'insulte à tous les petits malins qui veulent du succès en mangeant du caca en hologramme.

4,5/5

Blondie - Greatest Hits (Capitol Records/2002)

2008-05-27T12:12:00.002+02:00

Je n'aime en général pas tellement parler de best of ou de compilations, considérant que la plupart des morceaux ont tout à gagner à être écoutés dans le contexte d'origine – le son d'un album, la position dans une tracking list et ainsi de suite. Là, je fais un cas à part et ça me permet du même coup d'évoquer ce qu'est pour moi la pop à son sens le plus noble. La pop, donc, c'est une exigence d'accessibilité et rien d'autre ; pop vient de "popular music", il ne faut pas l'oublier. C'est à dire qu'un groupe pop doit posséder une ouverture sur le public le plus vaste possible, en étant forcément adapté à son mode de consommation. Et s'il y a bien une chose facile à dire, c'est que le mode de consommation du grand public, c'est le single, le tube, le morceau tout seul – qu'on entend à la radio, dans les grands magasins et dont on regarde les clips en déjeunant. Et là, je retombe sur mes pattes : Blondie est un vrai groupe pop, et c'est en ce sens tout à fait logique et même éthique que de se référer à une collection – même disparate – de singles vedettes.

Blondie, donc. Des dizaines de tubes incroyables, dont au premier rang Heart Of Glass, Call Me, Atomic ou Maria. Chacun des 19 morceaux sélectionnés ont en eux ce quelque chose de singulier qui les rend inoubliables ; des tubes encore. Le plus fort avec Blondie, c'est que tout le monde les aime, ta mère aussi, et que cette exigence d'accessibilité dont je parlais ne vient pas du tout empiéter sur l'audace artistique du groupe de Deborah Harry. Parce que c'est très classe, Blondie va chercher son influence du côté du punk et de la new-wave, beaucoup, mais aussi du côté du disco, du hip-hop naissant ou du raggae. Très proches de Talking Heads ou d'Andy Warhol, ils en représentent au monde entier la scène avant-gardiste new-yorkaise.

Bref, en un mot comme en mille, Blondie mérite toutes les louanges du monde. Une musique jamais facile qui tape toujours – et toujours du premier coup – dans le mille. Un tel équilibre est exceptionnel et c'est le signe d'un groupe pour le moins génial.

4.5/5

Dj Krush - Code 4109 (Red Ink/2000)

2008-05-18T19:32:00.002+02:00

Dis moi comment tu mixes et je te dirais qui tu es. Cet adage pourrait éventuellement exister, et je prendrais volontier ce mix de Dj Krush pour en faire l'exemple.

Il est fou de voir à quel point le Dj japonais insuffle à son set une identité forte, et si l'on ne sait pas a priori qu'il ne s'agit que d'une compilation mixée, on pourrait bien se faire tromper par la marchandise et croire qu'on a entre les mains un nouvel album de compositions originales. Le Hip-Hop qu'il nous présente est aussi noir et sec que dans Kakusei, et en même temps offert à tout un tas de monochromes contemplatifs, d'ambiances sourdes et de vignettes dépaysantes – dont une en Bulgarie.

Aux platines, Hideaki Ishi est tout bonnement un régal. Progression dramatique, enchaînements parfaits, cohérence sans faille de l'ensemble : tout y est. Tout et même un peu plus, puisque Krush nous fait en même temps la démonstration qu'on peut mixer du hip-hop sans scratcher à outrance, sans donner l'impression de quelque part faire une performance technique. Tout est pour la musique et sa vertigineuse capacité d'évocation. Franchement remarquable.

4.5/5

Ludéal - Ludéal (2008)

2008-05-17T17:08:00.005+02:00

Il ne faut pas bien longtemps pour inscrire Ludéal dans une généalogie. La filiation avec Bashung et Dominique A est bien trop flagrante pour passer inaperçue. Il y quelques accents de M dans la voix aussi, et des petites bribes de Souchon. C'est à dire que ça évoque à peu près tout ce qu'il y a de mieux sur notre petite scène française. Ludéal n'invente rien, il se pose dans l'inertie de nos quelques songwriters à labelliser.

Ce premier disque de Ludéal travaille pour cette pop-folk qu'on connaît bien, avec ces comptines un peu la tête dans la lune et ces textes doux-amers. Rien de transcendant mais une belle sensibilité joliment exprimée dans des carcans et des codes bonifiés avec l'âge.

C'est un disque de faiseur, soit, et s'il était Anglais on aurait tout intérêt à se fâcher, mais cette race de beaux chanteurs modestes est si rare chez nous qu'on ne peut que s'en féliciter. En espérant même que Ludéal puisse témoigner de sa culture sur les grandes ondes.

3/5

Boredoms - Super Ae (Birdman/1998)

2008-05-16T15:17:00.005+02:00

Les Japonais sont fous, nous commençons à en avoir l'habitude. Et leur folie se manifeste souvent dans la plus grande stupidité, ce qui fait qu'on les aime vraiment bien, mais comme on aime les bons nanards et les discours de Francis Lalanne. Sauf que de temps à autres, cette bouffonerie vient nous taper dans la gueule, et ce le plus sérieusement du monde. Ce fut le cas quand l'occident découvrit Melt Banana ou Cornelius, des bizarreries aussi ludiques que fascinantes. Avec Boredoms, c'est la même chose, en plus désarmant encore.

Si l'on fait un rapide retour sur le passé de Boredoms, on trouve des disques de noise tribale survitaminés, des colloborations avec John Zorn et Sonic Youth, des sorties inopinées et souvent incongrues ; pas mal mais encore un peu brouillon.

Avec Super Ae, Boredoms franchit à peu près cinq palliers d'un coup et sort, aillons les couilles de le dire, un disque tout bonnement indispensable pour quiconque aime les propositions musicales un tant soit peu originales.

Super Ae est un disque tout à l'instinct où chaque note, chaque bruit semble posséder sa raison propre – une raison pourrait-on dire énergétique. À mille lieux de la moindre prétention conceptuelle, tout semble ici n'être qu'une immense cérémonie ethnique, primitive, mélangeant dans la transe attaque bruitiste à la Merzbow, rythmes africains, guitares funk et country, voix de crooner et incantations inquiétantes, délires ambient mystico-hippies et danses de la pluie. Pas grand chose à décrire de plus : on n'y comprend à peu près rien et on se contente de suivre, de se laisser aller, sans dictatisme, comme dans une étrange séance d'hypnose où s'entrechoqueraient sens et non-sens, visible et invisible.

5/5

Ellen Alien - Sool (BPitch/2008)

2008-05-14T22:52:00.004+02:00

Ellen Allien a construit un empire. Difficile de ne pas croiser son nom quelque part. Plutôt respectée par ses pairs et l'intelligentsia musicale, elle est surtout une icône auprès des jeunes générations noctambules. Elle est une femme, pond des tubes au kilomètre et a crée sa propre ligne de fringues ; il ne lui en fallait pas plus pour se poster comme chef de file de la techno berlinoise – la seule qui vaille selon beaucoup.

Avec Sool elle vient pourtant de perdre sa première bataille, c'est en même temps dommage et presque satisfaisant. Ce petit paradoxe vient du fait qu'Ellen Allien s'est certes un peu prise les pieds dans le tapis, mais avec les honneurs, peut-être plus encore que si elle ne s'était pas risquée à une techno aussi minimaliste et aride. Car Sool est débarassé de toute la portée mainstream – dancefloor et pop – de ses prédécesseurs. Il ne reste plus qu'une colonne vertébrale faite de beats old school plutôt léthargiques supportant une ambiance abstraite et énigmatique. Le risque d'une telle option n'est pas du tout évité, et ainsi les morceaux ont tendance à s'aligner dans l'indifférence générale, ne suscitant aucune accroche véritable. On pourra trouver l'exercice spirituel mais Carsten Jost et Efdemin sont bien meilleurs pour ça.

On note juste ITS, un morceau sacrément dansant et plus glauque tu meurs, à mettre aux côtés de Louderbach ou Scratch Massive. Mais à part ça, pas grand chose d'excitant (surtout pas la tentative Air France qu'est Frieda), Ellen Allien a tenté un joli pari, vraiment osé, mais aussi étonnant que soporifique.

1,5/5

Portishead - Third (Island/2008)

2008-05-04T14:37:00.005+02:00

On ne les avait pas vu depuis un moment, ceux-là. Onze année de silence discographique pour être précis. Ils reviennent de chez les morts, sans la bulle trip-hop qui les enveloppait alors. À l'explosion de cette bulle personne n'a résisté : ni Massive Attack, ni Archive, ni aucun autre. Portishead n'a donc même pas essayé de franchir ce cap et s'est fait bouche cousue, apparaissant juste ça et là dans des projets annexes des plus discrets.

Quand on écoute Third pour la première fois, on se dit que les choses n'ont pas foncièrement changées. Ceux qui adulaient Dummy et l'éponyme trouveront ce disque non seulement excellent mais en plus innovant – tout ça parce que deux ou trois guitares se font plus incisives et quelques rythmes plus industriels. Les autres, dont je fais partie, trouveront la recette réchauffée et s'agaceront de cette musique geignarde qui n'a plus lieu d'être. La voix de Beth Gibbons est si lyrique et son vibrato si rapide que tout cela devient très vite harrassant, épuisant à force de pathos.

Je fais donc partie des perplexes : j'ai toujours trouvé Portishead un peu surcoté. Selon moi, le génie qu'on leur accorde ne se manifeste que le temps de quelques morceaux stupéfiants comme le furent Roads, It could be sweet ou Glory Box. Là encore, pour Third, la même irrégularité s'affiche. Je n'aime pas cet album et pourtant quelques uns de ses passages sont à chérir follement. Dans les morceaux qu'on dit sombres, je retiens l'énorme basse de Silence et les murs de bruit de Machine Gun. Dans les morceaux plus posés, de loin les meilleurs, je ne peux que conseiller l'écoute de Hunter et Magic Doors, classiques mais très réussis, et je recommande surtout l'écoute de The Rip, le diamant brut de l'album. Avec ces deux parties folk puis electro-manga, The Rip explique à lui seul les éloges démesurées à l'égard de Portishead. Des instants de génie – que certains fous ont du coup tendance à voir partout – et le reste du temps une musique poussive, passéiste et éreintante.

2.5/5

Death In June - But, What Ends When the Symbols Shatter (New european recordings/1992)

2008-04-30T13:52:00.005+02:00

Dans un Roi sans divertissement, Langlois est fasciné par la vue d'un sang rouge vif sur une neige blanche et aveuglante. C'est le sang des victimes et le résultat des tragédies ; Langlois est le gardien de la Loi et l'acteur de la Justice. Contradiction pour lui insolvable, il finira de la dynamite dans la bouche, son sang enfin éclaboussé partout dans l'hiver.

Bien qu'il cite plus volontier Yukio Mishima – chez qui la beauté est à brûler – ou Jean Genet – pour qui les nazis sont nobles et vénérables – le leader emblématique de Death in June, Douglas P, ressemble à plus d'un titre au personnage de Giono. Son attirance pour les symboles d'horreur est irrépressible. Il y côtoie une force tétanisante qu'il prend violemment dans la gueule, sur un versant purement affectif et détaché de toute morale. Pas étonnant dès lors qu'il soit accusé de tous les vices lorsqu'il célèbre l'esthétisme de l'holocauste et la saleté de l'homosexualité, quand bien même il arpente les festivals anti-racisme en affichant son homosexualité.

Quand il s'agit de sa musique, Douglas P est tout aussi insaisissable. Death in June commence très tôt dans les années 80, dans un registre proche de Joy Division, et va depuis tatônner entre plusieurs amours qui vont se hierarchiser selon les rencontres et les humeurs : ambient, indus, folk. But, What Ends When the Symbols Shatter est sans doute l'album de Death in June le plus homogène et de manière évidente le meilleur. Toutes les chansons sont construites autour de guitares folk simples et exceptionnellement belles sur lesquelles se pose la voix monocorde de Douglas P. Ce qui éloigne le groupe du mouvement folk classique, c'est sa façon de se servir des guitares dans la répétition, dans des boucles hypnotiques ponctuées de collages gothiques et industriels. On en arrive au final à des pièces plus oniriques qu'acoustiques, sombres mais jamais pesantes, mélancoliques au possible et pourtant jamais suicidaires.

Ce que j'ai dit jusqu'à présent dessine plutôt une musique trouble, lointaine et renfermée sur soi. Mais l'importance de cet épisode de Death in June est tout de même qu'il se pose comme un point cardinal dans la révolution musicale opérée à cette époque – révolution qu'on dira shoegaze, atmosphérique ou noise. C'est là le point de croisement entre la culture indie-rock qu'on connaît tous et la permanence d'une culture dark et gothique qui traverse les années sans crier gare. Et ça a de quoi ravir tout le monde.

5/5

The Notwist - The Devil, You + Me (Domino/2008)

2008-04-28T14:10:00.004+02:00

Ce sera ma chronique la plus minuscule tellement y a peu à dire sur la nouvelle sortie des Notwist. Quand on prononce leur nom, la chaîne d'association se fait illico : groupe allemand sympatoche, electro-pop gentillette et petites déprimes automnales. Rien de neuf depuis le superbe Neon Golden en 2002, si ce n'est que ces onze caramels mous sont un poil moins marquants et surprenants qu'on aurait pu l'espérer. Qu'importe, on va quand même se dorloter avec pendant des semaines, pari réussi pour un beau groupe dont la seule ambition est humaniste.

4/5

M83 - Saturdays = Youth (Labels/2008)

2008-04-27T17:56:00.003+02:00

Quand un nouveau disque de M83 sort, l'Amérique frémit ; nous on s'en branle. Ça n'aurait rien de très étonnant s'il s'agissait d'un groupe de crunk du Minnesota, sauf qu'il s'agit présentement du projet d'Anthony Gonzalez, un Grenoblois bien de chez nous. C'est le même phénomène qu'avec Mireille Mathieu – la hype en plus.

Après un interlude ambient (le sympathique Digital shades vol.1 ), M83 revient pour son quatrième véritable album avec des aspirations beaucoup plus pop que rock. On peut dire adieu à l'ersatz de post-rock qu'on pouvait entendre dans les premiers albums, adieu aussi aux guitares sursaturées qui singeaient Sonic Youth et My Bloody Valentine. Les claviers partagent désormais les pleins pouvoirs avec des guitares à la Robin Guthrie (Cocteau Twins). Le chant à deux voix (comme chez Slowdive) prend également une place prépondérante.

On renifle agréablement les 80's partout, c'est souvent à fleur de peau et magnifique, mais comme toujours avec M83 on va beaucoup trop loin. Aucun morceau n'est épargné par une surenchère de nappes rappelant les pires moment de Jean-Michel Jarre – c'est à dire à peu près tous. Les voix féminines, un temps superbes, sont tant rabachées sur Skin of the light qu'on croirait entendre Mylène Farmer. On n'est pas non plus à l'abri de montées mogwaïennes catastrophiques ou d'un dernier essai ambient parfaitement risible (Midnight souls still remains : les 11 minutes les plus chiantes de l'année).

Je suis dur et sévère, et je le serai de plus en plus avec M83. Car Anthony Gonzalez est un jeune homme bourré de talent, et ce Saturdays = Youth possède bon nombre de perles potentielles : Kim & Jessie, Graveyard Girl, Couleurs et Up ont chacun dans leur genre les moyens de tutoyer les sommets. Mais pourquoi bon sang ce paumé de Grenoblois est-il aussi exhubérant qu'une gogo danseuse mexicaine ? Après tous ces essais pas du tout transformés, on rêve de voir enfin un vrai producteur-bûcheron s'occuper de ce gamin pour couper tout le bois mort qui envahit sa musique. Sans quoi M83 innondera le bide et musique de nos enfants.

2.5/5

Lambchop - Nixon (Merge-2000)

2008-04-25T11:52:00.004+02:00

Des groupes comme Lambchop, il faut bien le dire, il y en a pas deux. Un groupe Benetton malgré lui. Faut s'imaginer un mec, Kurt Wagner – ébéniste au physique loser – qui, lorsqu'il prend sa guitare et chante, fait vaciller sa couleur de peau entre blanc et noir. Un truc un peu fou, quoi.

En fait ce n'est pas si compliqué : Kurt Wagner et sa troupe de musiciens viennent de Nashville – terre de country – et en même temps aiment à la folie la soul et les autres musiques black. Rien de très étonnant pour eux, donc, de faire cohabiter tout ça dans leurs créations.

Après quelques premiers albums très recommandables mais plus country-folk qu'autre chose, la mutation totale arrive avec ce Nixon, et l'on est du coup plus simplement dans le clin d'oeil à la culture soul mais dans la soul elle-même. Il y a plein de voix de fosset, de violons larmoyants et de guitares funky qui viennent partout se mêler à un songwrinting délicieux, fait d'échos de Leornard Cohen ou d'icônes plus clairement rock.

Ce n'est sans doute pas le meilleur album de Lambchop : ce n'est ni le mieux écrit ni le mieux arrangé. Si j'ai choisi de parler de celui-là, c'est bien parce qu'il est celui qui illustre le mieux cette partouse multiraciale que Kurt Wagner nous présente, qu'il nous dévoile à sa façon à lui – pudique et timide.

4/5

Chrome Hoof - Pre-Emptive False Rapture

2008-04-15T22:29:00.003+02:00

Je pense être quelqu'un d'en général plutôt sympa. Même les groupes que je trouve mauvais peuvent recevoir quelques compliments : ça arrive même aux plus nuls d'avoir un coup de bol et de pondre des bons morceaux, ou, sans aller aussi loin, de faire quelques plans agréables. Et je ne fais pas l'aigri, ces rares moments de lucidité ne me dérangent guère et je n'éprouve aucune honte à m'y laisser porter.

Je me justifie – j'en ai besoin – car je me trouve face à un sacré problème : il n'y a rien à sauver dans le second album de Chrome Hoof. Pourtant j'ai tout écouté, et plusieurs fois – j'ai même essayé de commencer par la fin ou de l'écouter en mode aléatoire. Rien à y faire, Pre-Emptive False Rapture est juste une vaste merde parfaitement homogène dans sa putréfaction.

Chrome Hoof, c'est un concept. Le bassiste heavy de Cathedral et son frère producteur techno (le producteur du genre à faire un remix house de Ronan Keating), avec plein de potes de tous horizons et sans aucune limite stylistique. En gros, du Mr Bungle avec la finesse comique du festival Roblès. Chrome Hoof se veut dansant et c'est raté. Mais attention, c'est une musique exigeante : un rythme bourrin et supposé groovy, une voix pompée sur Mike Patton ou Magma, des cuivres à la Ska-P, des riffs à la Def Leppard et des bruitages de Megadrive pour soupoudrer le tout. Consternant.

Le comble de ce projet clownesque est que tous ces zigotos se déguisent. Et quand on les voit, on a du mal à y croire : il semblerait pourtant bien que les Daft Punk et Slipknot aient un projet en commun sur la vie des Amish.

0/5

Alec Empire - The Golden Foretaste of Heaven (Eat Your Heart Out /2008)

2008-04-15T11:24:00.004+02:00

Alec Empire, spécialité bouchère depuis 1992. Sous le pseudo d'Atari Teenage Riot, et accompagné par quelques autres spécialistes de la viande fraîche, il taille en pièces des milliers de salles de concerts avec un clash inédit entre rave-music, phrasés punk et guitares hardcore. Tout ça jusqu'en 2001, année où le groupe allemand se sépare sur la perte d'un des leurs – Carl Crack mort d'overdose, ça ne s'invente pas. Bon gauchiste qu'il est, Alec Empire ne peut stopper la lutte et se lance corps et âme dans son projet solo, jusque là subsidiaire, et en fait le terrain de tous ses exploits sonores et l'espace de toutes ses revendications.

Quand The Golden Forestaste of Heaven sort, on s'attend encore à un disque pompier, trop plein et pour ainsi dire peu inspiré – au même titre que le très moyen Futurist. Hé bien il n'en est rien, puisque ce nouveau brûlot étonne de bout en bout. Pour faire simple, sachez que le morceau le plus bourrin du nouveau Empire passerait pour une balade sur n'importe quel autre de ces disques. Le BPM prend ici un sérieux coup dans l'aile, les rythmes perdent presque toute leur urgence et cela oblige Alec Empire à prendre son problème autrement. Car il ne faut pas tomber dans le panneau, il ne s'est pas ramolli et n'est pas devenu centriste avec l'âge. Il est toujours un activiste mais cette fois, à l'attentat bourrin il préfère le sabotage malin.

The Golden Foretaste of Heaven évoque en effet l'image qu'on a des boîtes allemandes des années 80, des endroits flippants à l'odeur dégueulasse – cocktail craignos de sueur et de sperme. Tout le monde s'y frotte sur une musique sale et déviante, avec les yeux dans le vide et les mains perverses. Flirtant avec l'ambient, 1000 eyes serait dans ce cas là l'orgie finale du bout de la nuit, avec des gros ventres puants et impuissants qui s'endorment sur leurs anorexiques quarantenaires.

Alec Empire ne respire donc toujours pas les grandes fôrets bavaroises, sa révolution est uniquement musicale, dépouillant sa formule pour mieux en sentir les os, régurgitant alors un nouvel habit orgiaque et carrément orgasmique.

4/5

Cave In - Jupiter (Hydra Head records/2001)

2008-04-07T12:35:00.002+02:00

Entre les deux vies de Cave In – l'une hardcore-metal et l'autre pop-rock – est sorti ce que l'on serait tenté d'appeler un album de transition, en l'occurence le Jupiter qui nous concerne. Par album de transition, néanmoins, on entend toujours un concept nébuleux, qui serait par exemple de considérer le disque en question comme l'instantanée d'un work in progress, ou même un tour de chauffe, un brouillon avant des sorties serieuses et définitives. L'usage est donc risqué pour un Jupiter qui, incontestablement, est le point d'orgue d'une carrière fougueuse et inégale.

Récupérant les structures complexes de leur première vie – où ils ont je le rappelle fait jeu égal avec Converge – et les ouvrant aux sphères éthérées de leur seconde, Cave In réussit là le tour de force d'inventer le power-Pink Floyd. Comme leurs lointains aînés, il n'y a pas de confusion faite entre onirisme et mélancolie, entre expérience de l'apesenteur et méditation nostalgique. Jupiter s'offre entièrement dans un trip cosmique, loin dans un espace coupé de toute broutille sentimentale et de toute dramatisation existentielle. La voix de Stephen Brodsky est sensible et ses harpèges sont cristallins, mais ce n'est jamais sirupeux ou même émouvant, nous avons juste affaire à un dépaysement spatial, profond et transcendant. Ses textes eux-mêmes sont là pour nous confirmer que ce à quoi nous amène Cave In, c'est quelque chose comme une nouvelle visite des dernières minutes du 2001 de Kubrick, avec cette même forme d'élévation de soi – sans ego, et cette nette impression de totalisation des espaces et des durées.

Jupiter renvoie aux différents psychélismes et progressismes, il renvoie également à la puissance du post-hardcore et aux batifolements mélodiques de Silverchair, et tout ça à un stade muté, en dehors du grand cirque musical, créant par là-même un pendant précieux et convaincu de l'hystérique et horripilant Origin of Symmetry de Muse.

4.5/5

Sascha Funke - Mango (Bpitch Control/2008)

2008-04-02T17:21:00.006+02:00

La discretion a parfois du bon. C'est ce que l'on peut se dire en écoutant le second album du pas très tapageur Sasha Funke. Pourtant, monsieur est signé par Bpitch control, label oeuvrant férocement pour la techno le plus putassière et bling-bling d'outre-Rhin (Feadz, Modeselektor, Ellen Alien). Surprenant donc de retrouver dans ce catalague un Mango qui aurait plus sa place dans les différentes divisions de Kompakt.

Mûri au soleil dans les coteaux d'Aix-en-Provence, Mango développe tranquillement neuf morceaux d'une techno minimale classique, sans fantaisie aucune, et plus baignée dans le tout mélodique que dans l'expérimentation rythmique. On pense bien sûr à Pantha du Prince, dans un registre plus lumineux, à SCSI 9 ou également aux différents travaux de Swayzak. Des comparaisons de qualité, il est vrai, mais duquel Sascha Funke se démarque trop peu. Si les morceaux les plus techno-ambient sont réussis et réellement planants (Mango, Feather), ceux qui tentent de renouer avec le dancefloor ratent le coche (Double Checked, Lotre) – que voulez-vous, la sieste méditerranéenne ne fait pas de concession. Pas de quoi en vouloir à ce DJ un peu timide quand il réussit un disque plaisant, matinal, un peu paresseux mais aussi carrément enivrant, comme avec Chemins des figons et son irrestible penchant new-wave. Ce n'est juste pas un renversement.

3/5

Alain Bashung - Bleu Pétrole (Barclay/2008)

2008-03-31T21:58:00.007+02:00

Nous n'avions pas véritablement attendu ce nouvel album d'Alain Bashung, qui arrive pourtant après six années d'un silence timide et étouffé. La raison en est que son prédécesseur, L'imprudence, nous avait irradié jusqu'au néant de sa poésie mortifère. Sombre et définitif, il était un point de non retour dans une discographie toute entière érigée vers un idéal baudelairien de romantisme. Conscient d'avoir touché le graal, Bashung s'est par conséquent offert une pause, et avec ce Bleu Pétrole une balade champêtre dans ses influences premières.

Renonçant aux architectures gothiques, la translation de Bashung se fait ici dans un vecteur américain, tendance folk, country et grands espaces. Arrangements simples, guitares en avant et voix enlevée rappelle ce premier voyage à la Kérouac qu'était Osez Joséphine il y a quinze ans. Ce n'est donc pas une surprise de voir l'équipe de Bashung largement renouvelée, avec la bienvenue souhaitée à des jeunes, des vieux, qui tous aiment la belle chanson populaire et Bob Dylan. En résulte des compositions bien plus accessibles, parfois un peu faibles (Sur un trapèze, Résidents de la république) mais la plupart du temps jolies et persuasives, comme la très bonne reprise finale de Gérard Manset (au contraire de celle très moyenne de Léonard Cohen) ou alors Tant de nuits, belle et émouvante comme en son temps La nuit je mens.

Au-delà de ce fil directeur principal, quelques chansons viennent néanmoins s'incruster comme des inserts d'autres contrées et d'autres époques. Je tuerai la pianiste, par exemple, aurait pu être une pièce remasterisée du Bashung new-wave/no-wave des années 80, et est à la place le dernier morceau malsain et ambigu de Bashung. Hier à Sousse utilise quant à elle des bricoles issues de l'electro et de la techno pour donner à ce titre rock un immense potientiel tubesque. Je finirai en parlant de Venus, un stupéfiant spoken word clamé sur une valse triste et minimaliste, preuve imparable que, si Bashung choisit un temps de rester en cabriolet, cheveux au vent et pensées impossibles à germer, il n'en garde pas moins quelque part en lui ce fameux soleil noir qui nous le rend essentiel.

4/5

Elbow - The Seldom Seen Kid (Polydor/2008)

2008-03-19T13:54:00.003+01:00

L'Angleterre comme seul horizon pop-rock est une vérité de plus en plus mise à mal, n'en déplaisent à certains. La déferlante de groupes que l'on a connu il y a à peu près cinq ans est passée ; ne restent que les moins périssables, dont la date de validité dépasse les rotations MTV 2. Cette désertion quantitative n'est pas le seul problème en jeu, puisque la qualité de ceux qui s'essaient encore au genre est elle-même des plus vacillantes. Ils se fatiguent et nous aussi. Le pire exemple en est ce terrible In Rainbows, qui, en mettant les grands plats dans les petits, s'installe comme la seule erreur discographique de Radiohead. Elbow suit malheureusement le même trajet que son modèle d'Oxford mais, vous allez le voir, avec un moindre mal.

Elbow a jusque là eu une carrière discrète et cependant irréprochable. En trois albums, les Mancuniens ont démontré qu'ils n'avaient pas tellement de concurrents dans le genre qui est le leur. Eux seuls hormis Radiohead atteignent ce degré de sophistication sans perdre sur l'émotion, façon audacieuse pour une musique populaire de faire coincider surprise et sentiment dans un même moment. Ce nouvel effort, the Seldom Seen Kid, renouvelle le désir d'être aventurier musical tout en restant intimiste, un peu maussade et désabusé, très anglais finalement. Toutefois, il y a là un peu de paresse dans ces nouvelles compositions, une utilisation un peu facile des violons, une diversité musicale moins accrue et une écriture souvent mal dégrossie. L'album ne fait pour ainsi dire pas totalement fini, et l'on se rend bien compte que depuis Asleep in the back en 2002, Elbow est bien rentré dans le rang. Voilà le décevant ; et d'un autre côté, il y a vraiment de quoi se consoler, car depuis longtemps (Leaders of the free world du même groupe, il y a trois ans) on avait pas entendu des chansons aussi élégantes, belles à pleurer et jamais ampoulées. L'élégance est bien le terme qui caractérise le mieux Elbow, et si ici on les sent un peu sur le creux de la vague, ils ne peuvent pas se départir de cette finesse qui leur colle à la peau. Et ça nous va bien.

3.5/5

Clark - Turning Dragon (Warp/2008)

2008-03-15T15:20:00.004+01:00

Proclamé nouveau chef de fil du label Warp en 2005 suite à la sortie du miraculeux Body Riddle, Clark nous revient aujourd'hui fort d'une expérience nouvelle, celle des clubs berlinois et de leur techno suintante. Le dénommé Clark clôt de cette façon un cycle et même une génération. Alors que son Body Riddle arrivait bien après la bataille des Aphex twin, Squarepusher, Autechre, Plaid et compagnie pour en faire la synthèse parfaite, il fallait alors signifier cet impressionant revival comme un point final à un genre en lente décrépitude. C'est chose faite avec ce Turning Dragon, résultante d'un appel d'air vers une musique plus ouvertement dansante, clairement plus sombre et criarde.

Cette nouvelle page tournée n'est cependant pas encore écrite de la plus belle des plûmes, et ce Turning Dragon excite autant qu'il fatigue, alternant malheureusement le meilleur et le plus anecdotique. Les deux premiers morceaux (New Year Storm et Volcan Veins) laissent pantois par leur rythme effréné, leur puissance monstrueuse et leur ambiance "dernière danse avant la fin du monde" tandis que les suivants (For Wolves Crew et Violenl) font tomber illico l'excitation initiale par leur étonnant manque d'inspiration. La deuxième partie de l'album surprend quant à elle beaucoup moins, et sa grande qualité n'empêche pas le constat amer d'une révolution inachevée. C'est un peu dur comme jugement, car on retombe il est vrai dans un bain que l'on pensait évaporé depuis longtemps, celui de la vieille musique industrielle sauvage, celui du Aphex twin des Classics, d'I Care Because You Do (dont Hot May Slides pourrait en être un morceau) et de Caustic Window. Se replonger dans ce bain là n'est pas sans plaisir, mais au final on ne sait plus dans quel sens s'exécute le voyage temporel, dans le sens d'une innovation futuriste ou d'un retour sur les ruines.

3/5

Godflesh - Streetcleaner (Earache records/1989)

2008-03-14T18:49:00.005+01:00

Justin K. Broadrick, en cofondant les mythiques Napalm Death, a d'abord participé à l'invention du grindcore, genre réputé le plus violent du monde. La violence du grindcore se fait par la rapidité, dans une musique jets de sang en éclaboussures. Broadrick quitte très vite ce navire gore pour créer de son côté l'entité Godflesh, visant toujours la même violence mais cette fois avec un angle singulièrement différent. Streetcleaner est ainsi plus une longue torture qu'un massacre bourrin et pulsionnel. La violence est ici intériorisée, elle est plus blessure psychologique que ravages sur le corps. La musique de Godflesh est relativement lente, elle est répétitive et sans rémission possible. Cette musique possède toujours les mêmes éléments: une drum-machine martiale et surpuissante, une basse informe à force d'être grave, des larsens de guitare terrorisants et une voix triturée d'un autre monde. Pas un répit, bien sûr, et surtout pas un son qui viendrait réchauffer cette galette désincarnée, complètement apocalyptique et d'une froideur glaçante. Voici toutes les raisons de détester ce Streetcleaner et en même temps toutes celles de le trouver essentiel, parce que qu'il représente quelque chose comme un nihilisme absolu, non feint, dont la trace dans l'histoire musicale est encore rouge.

4.5/5

Have A Nice Life : Deathconsciousness (Enemieslist/2008)

2008-03-12T16:31:00.003+01:00

Pas de biographie cette-fois, on ne replacera ce duo américain dans un quelconque contexte pour la simple et bonne raison que l'on ne sait rien d'eux. Sortis de nulle part, les Have A Nice Life sortent là leur premier disque, dans un format des plus couillus et dangereux, le double-album.

Alors, n'y allons pas par quatre chemins, ce Deathconsciousness est un pavé dans la mare. Encore accentué par notre incapacité à le ranger dans un genre ou à le marquer dans une histoire, il nous fait l'effet d'un choc, d'un petit traumat qu'on a bien du mal à digérer. La raison principale en est que ce groupe fait preuve d'une maturité assez stupéfiante. Ils prennent leur temps, ne forcent rien, car ils savent qu'au bout de 85 minutes on sera convaincus, émus par la teneur mélancolique de l'ensemble, lovés dans leur son crépusculaire mais aussi étonnés par la maîtrise avec laquelle ils jouent de leurs influences. Ces influences en question, ce sont pêle-mêle Slowdive, Joy Division, My Bloody Valentine, Godflesh, Kraftwerk, Cocteau Twins ou Jesus and Mary Chain. Have A Nice Life se sert de toutes, et jamais on a l'impression d'une dédicace ou d'un quelconque collage. Car ce qui précède toute autre forme de jugement, c'est la façon qu'à ce disque de nous capter, de nous le faire sentir habité, hanté par des millions de fantômes. Les morceaux qui le composent sont très étirés dans le temps et finalement très impersonnels, se dissolvant ainsi dans un ensemble plus vaste sur deux disques, une longue durée fortement embrûmée et jamais réveillée, à écouter bien entendu d'une traite, si possible seul et à une heure pas possible.

On pourra dire qu'il s'agit d'un disque plutôt shoegaze, flirtant à certains endroits avec la new-wave, l'ambient ou la musique industrielle. Maintenant que c'est dit, on préfèrera passer à autre chose, car, à la limite, la meilleure façon de parler de ce Deathconsciousness serait peut-être en vers, en association libre, en cadavre exquis, qu'en sais-je.

5/5

Boys Noize - Oi Oi Oi (Word and Sound/2007)

2008-03-10T11:21:00.004+01:00

2007 a été, il est difficile de ne pas l'avoir remarqué, une année marquée par le retour au premier plan d'une vraie musique dancefloor. Très vite un trio s'est détaché du lot, un trio équilibré qui pourrait être le fruit de quotas ERASMUS : nos Justice français, les Anglais Simian Mobile Disco et les Allemands Digitalism. Sorti de ce trident, toutes les horreurs étaient possibles, et Boys Noize en est le plus fier représentant. S'étant fait connaître par le biais de remixes plus qu'honorables, dont le plus célèbre pour Feist, l'arrivée d'Oi Oi Oi était attendue comme une autre pierre angulaire dans ce phénomène nu-rave. Et l'évènement est plus que raté, puisque l'on se retrouve face à un album tout simplement imbuvable. Avant de commencer la lapidation, disons juste que Oh et Shine Shine relèvent un peu le niveau, mettant un peu de retenue et de mélodie dans un ensemble putassier et insupportable. De même pour Superfresh, pour le coup un vrai tube, espèce de remix tordu qui s'ignore de Puts Your Hands Up For Detroit.

Pour le reste, Alexander Ridha produit dans cet album pas mal des morceaux les plus nuls qu'on ait entendus dans le genre. Des saturations partout, parfaitement injustifiées, rendent la lecture du disque incroyablement énervante. Le tout n'est même pas dansant, parce que d'une part ces rythmes binaires n'arrivent pas à faire bouger un orteil, et d'autre part parce qu'ils sont tout le temps concassés, distordus, faisant de Boys Noize une réponse catastrophique aux attaques sonores (jouissives) de Para One.

Grand vide créatif qui n'arrive même pas à être caché correctement par la puissance du son, Oi Oi Oi semble être au mieux un disque de mauvaises B-Sides de Digitalism. Reprenant les mêmes ingrédients que ses compatriotes, Boys Noize montre une ahurissante facilité à faire monter une sauce crade et vulgaire qui, en plus, tournera en moins de deux.

1/5

Autechre - Quaristice (Warp/2008)

2008-03-09T14:53:00.003+01:00

Osons le dire franchement : le binôme d'Autechre nous a à force du temps convaincu que leur obstination était pathologique. Chaque nouvelle sortie des Britanniques a été un pas de plus dans un projet têtu et obsessionnel, projet de quitter leur sphère electro-ambient du départ pour arriver à une electro-noise évacuant toute mélodie et tout confort rythmique. Et inexorablement, tout nouvel album d'Autechre est devenu un peu plus une épreuve sportive, réclamant la maîtrise de soi d'un boudhiste et la puissance musculaire d'un héros de force basque. Confield, Draft 7 : 30 et Untilted étaient donc autant de véritables purges, momentanement passionantes mais trop éreintantes à la longue pour qu'on a fasse l'apologie.

Quaristice avait tout pour faire peur. On pensait qu'il fallait à tout prix s'armer de paracétamole pour l'écouter. Les plus fragiles en auront besoin, encore. Par contre, les adorateurs d'Amber, Tri Repetae et même Chiastic Slide pourront s'en passer. Car ce Quaristice-là est bel et bien un bizarre retour aux sources : il est innondé de nappes synthétiques comme on les aime et les rythmes se sont dans tous les sens du termes décomplexés. Fini aussi les morceaux trop longs, les infinies variations nihilistes autour de thèmes hermétiques, Quaristice privilégie un format fragmenté, 20 morceaux généralement courts, des morceaux qui vont droit au but et qui sont soignés des TOC habituellement diagnostiqués chez Autechre.

Ce qui est fort dans Quaristice, et qui en fait le meilleur album de leurs auteurs depuis dix ans, c'est qu'il ne cède en rien sur la folie expérimentale de ses précédesseurs. Bien qu'un vrai lyrisme digital soit retrouvé, tout un tas de morceaux sont d'une aridité inouie, plongeant l'auditeur dans les parasites désespérés d'un Intel dernier cri. Car ce qu'a aussi retrouvé Autechre, c'est finalement une forme de confiance, celle de pouvoir toucher à la grâce dans une épure presque totale, sans assommer l'auditeur d'un nuage de bruits infertiles. Le nouveau Autechre refait donc une place au silence. C'est abyssal et bouleversant ; cette essorage nous manquait.

4,5/5

Charles Mingus - The Black Saint And The Sinner Lady (Impulse/1963)

2008-03-05T14:59:00.006+01:00

Charles Mingus trouve dans The Black Saint And The Sinner Lady son oeuvre la plus aboutie. Contrebassiste émérite et surtout compositeur brillantissime, Mingus crée ici le très exact reflet de ses obsessions musicales. Construit en quatre mouvements, The Black Saint And The Sinner Lady est conçu comme une longue montagne russe. Le Tentet en action joue les mêmes thèmes par vagues successives, des vagues toujours plus grandes, laissant alors s'ouvrir de grands espaces d'impovisations furieux ou maussades, au piano, à la guitare hispanique ou dans des explosions free-jazz. Ce mouvement de flux et de reflux est le coeur de la composition mingussienne: l'intensité s'amplifie à tous les passages, à la façon d'un pilote accélérant son bolide à chaque tour de piste.

On pourrait jusque là croire à une oeuvre tordue et difficile d'accès. Il n'en est rien puisqu'il s'agit d'une musique populaire dans sa plus belle et simple expression. C'est à cet endroit que se situe l'exploit de Mingus, dans la conciliation qu'il opère entre musique savante (écriture d'inspiration classique et de forme avant-gardiste) et offrande à tous. The Black Saint And The Sinner Lady reste donc avant tout une grande danse, avec ses interludes et ses moments de pure folie, avec un tempo la plupart du temps soutenu et des thèmes mélodiques facilement assimilables. Pour éviter cette fois de reprendre la métaphore douteuse du pilote de F1, disons simplement que cette danse va d'abord commencer en solitaire. Puis quelqu'un d'autre va oser se jeter à l'eau avant que tout un groupe fasse de même, suivi d'une tripotée d'autres. Et à la fin, une salle entière, pas un assis sur sa chaise, tout le monde battant du pied dans une délivrance orgasmique.

5/5

Bon Iver - For Emma, Forever Ago (Jagjaguwar/2007)

2008-03-02T19:10:00.004+01:00

Cette année-là, Justin Vernon s'est fait plaquer par sa copine, son groupe DeYarmond Edison a explosé et son père est tombé malade. Vie de merde.

Alors Justin est parti dans le châlet paternel. Il s'est isolé, employant ses longues journées à couper du bois, chasser pour se nourrir et hûmer les ambiances forestières. Il a aussi écrit, copieusement, et c'est dans ce cadre là qu'on prit naissance les neuf compositions de For emma, Forever Ago. Enregistré de retour à la civilisation, le disque profite des amis de Justin Vernon et de leurs instruments pour étoffer un guitare-voix squelettique. En résulte un côté un peu champêtre mais finalement beaucoup arrangé et assez polyvalent. Si l'on sent bien un fond de folk désemparé, c'est plutôt du côté de la pop qu'est du coup tiré l'album.

Je suis personnellement partagé et, il faut bien le dire, indécis. Ce n'est certainement pas un mauvais ouvrage. Tout se tient très bien et l'on baigne dans une mélancolie, qui, c'est agréable, n'est pas exagérée. Là où le bât blesse, c'est que tout ça a été entendu mille fois, et que la qualité de For Emma, Forever Go se perd dans une concurrence un peu trop grande pour lui. Ce qui est d'autant plus gênant est que ce manque d'identité musicale rend l'intimité des textes un peu, je cherche mes mots, disons futile. Car, cela est un peu cruel à écrire, mais toutes les histoires d'amour se ressemblent et la plupart finissent mal : Justin Vernon est juste un parmi d'autres, et sa confession ne se fait entendre que comme celle d'un inconnu, utilisant qui plus est un langage musical des plus conventionnels.

3/5

Manu Katché - Neighbourhood (ECM/2005)

2008-02-29T19:21:00.005+01:00

C'est à peu près au sommet public de Manu Katché qu'est sorti ce Neighbourhood, lors même du boum médiatique causé par La Nouvelle Star. Difficile d'y voir autre chose qu'une contingence, tant les univers d'M6 et d'ECM records semblent inconciliables. Pourtant, tout cela a contribué, l'air de rien, à remettre un tout petit peu sur le devant de la scène quelques airs du jazz. Manu Katché, dans son rôle de juge sur M6, a beaucoup défendu une certaine idée de la musique, avec du groove et de la grâce. Cette discrète coloration charnelle qui a été insufflée dans La Nouvelle Star trouve dans Neighbourhood sa réalisation totale et complète.

Jusqu'ici accompagnateur de génie, Manu Katché passe alors au rang de compositeur (après un anecdotique It's about time en 1992). Sa petite troupe, il l'a composé avec ses partenaires du moment, la crême de la scène européenne orientale et septentrionale. Il y a aux cuivres les très confirmés Tomasz Stanko et Jan Garbarek et au piano l'impressioniste Marcin Wasilewski. Ces trois là offrent une interprétation aérienne et mélodique qui contraste admirablement avec une doublette rythmique chaude et pleine de groove. Manu Katché est dans le registre qui lui sied le mieux: économe et jamais démonstratif, d'une justesse sidérante et toujours marqué d'un certain funk réjouissant. Il est impeccablement aidé par son pendant à la basse, le jeune Polonais Slawomir Kurkiewicz.

L'idée de composition de Neighbourhood est un jazz populaire et partageur, se développant dans des structures simples qui ont fait les preuves de leur efficacité. Aucune divagation, aucune improvisation superflue. Tous les morceaux vont en l'essentiel, des thèmes magnifiquement écrits, et jamais il ne sont souillés par de l'inutile (aucun morceau n'atteint les 7 minutes).

Dans une forme des plus classiques va donc se développer un très beau jeu des musiciens, avec une douceur qui circule entre eux, quelque chose de beau et tendre, quelque chose qu'on aime dans la musique, en tout cas.

4/5

Why ? - Alopecia (Anticon/2008)

2008-02-28T14:31:00.003+01:00

Il s'en est passé des choses, depuis la météorite cLOUDDEAD dans le paysage hip-hop underground. Yoni Wolf, un des discrets MCs du collectif, a pris comme les autres son propre chemin, et à vrai dire pas le moins étonnant. Oaklandazulasylum fut en 2003 le premier bébé du projet Why ?, projet d'un rappeur amoureux transi du rock. Boursouflé de partout, bordélique au possible, l'essai attendra 2005 et Elephant Eyelash pour être transformé. Grand crossover ludique et mélancolique, Elephant Eyelash est quant à lui un monument de la la scène indépendante actuelle, entre le hip-hop hippie de Buck 65 et la pop majestueuse des Beach Boys.

Pour enchaîner après un tel disque, il y avait pas mal de solutions qui se présentaient, comme aller plus loin dans le délire hallucinogène ou se poser un peu. Yoni Wolf a choisi la seconde, la plus humble, que certains diront peut-être paresseuse. Le nouveau Why ? n'est ainsi plus kaléidoscopique, il ne part plus tête baissée dans quatre directions à la fois (essayant de quand même tenir la route in extremis). Alopecia est le disque d'une fin de mutation. Il n'y a plus l'excitation de tout mélanger, il y a juste le bonheur d'avoir trouvé le bon croisement génétique: une voix parlochantée, une orchestration sixties, des samples et bidouillages hip-hop distillés avec parcimonie. Et pas grand chose de plus.

Alopecia est de fait un disque apaisé, équilibré et sûr de sa formule. Où au lieu d'une vision panoramique, Why ? choisit un cadre plus petit, moins clinquant aussi, et dans lequel il va s'inventer un nouveau travail, l'orfèvrerie pop.

4/5

Katatonia - Brave Murder Day (Century Media/1996)

2008-02-27T15:56:00.004+01:00

Katatonia, depuis pas mal de temps, leur troisième album en fait (ils en sont au septième), est connu comme un groupe de metal à chant clair, jouant avant tout sur la modernité de leur approche (effets électroniques foisonnants, guitares massives et énergiques, relents néo un peu énervants). Ces grands déprimés suédois, avant de réformer leur musique, étaient beaucoup plus orientés doom-death, et Brave Murder Day en est le plus beau témoin. N'y allons pas par quatre chemins, il s'agit du meilleur ouvrage du genre, avec tout de même Ashes Against The Grain d'Agalloch, sorti dix ans plus tard.

Pour être simple et précis, le son développé ici est d'une tristesse sans commune mesure, et cette humeur dépressive est communiquée par un metal minimaliste et très répétitif. La batterie est métronimique, la basse inexistante, les riffs joués en boucle. Par-dessus vient se poser à quelques moments l'impeccable chant clair de Jonas Renkse ; autrement, la voix est growlée (criée gutturalement), et de manière impressionante par l'invité surprise Mikael Akerfeldt, génial leader d'Opeth. En résulte une musique hypnotique, où les mêmes motifs se répètent jusqu'à toucher le fond, et où les seules occasions de rompre cette monotonie se font par des breaks acoustiques désespérés (la sublime ballade Day) et des lead guitars floydiens.

Brave Murder Day, sans concession aucune, invente en somme la meilleure promotion possible au prozac. On en redemande, en plus.

4/5

Italians do it better - After Dark (2007)

2008-02-26T10:20:00.005+01:00

Théâtre d'une hype des plus voraces, le tout jeune label Italians do it better, américain comme son nom ne l'indique pas, sort une compilation en forme de "voilà ce qu'on sait faire et qu'on développera sur des grands formats". On aurait pu ainsi parler du Night Drive des Chromatics ou du très rare B/E/A/T/B/O/X de Glass Candy, et on aurait sensiblement dit la même chose. Dans cette selection de 14 titres pour 5 groupes, on retrouve donc l'essence du label, à savoir un crossover un peu fou de tout ce qui a bougé dans la première partie des 80's. Car on a moins affaire à simple hommage disco qu'à une relecture contemporaine et globalisante de cultures qui, dans leur époque, étaient inconciliables. Il est drôle de voir que ce label se tient bien plus grâce à l'amour des contradictions d'une décennie plutôt qu'à des influences communes très ciblées. Deux reprises émaillent ainsi la compilation, l'une de Last Night a DJ Save My Life par Mirage et l'autre des ascetiques Kraftwerk par Glass Candy. Disco festive et Electro industrielle ensemble, donc. Chez Italians do it better, les ambiances cold wave font l'amour à des basses discoïdes, les voix féminines romantiques chantent sur des instrumentations glauques, ou l'inverse, et tout ça avec pas mal de savoir-faire et beaucoup de liant. Et si tous les morceaux ne sont pas bons (ceux de Farah et de Professeur Genius sont en queue de peloton), il faut rappeler qu'il s'agit là d'une introduction. Et on peut dire qu'elle met l'eau à la bouche, grâce surtout à toutes les perles des Chromatics et de Glass Candy, deux groupes qui seront sans doute majeurs en 2008.

4/5

Brian Eno - Ambient 1 / Music for Airports (Virgin/1978)

2008-02-22T15:43:00.007+01:00

Dans les réflexes journalistiques plutôt agaçants, il y a l'usage abusif du terme "intemporel", que l'on peut trouver pour à peu près n'importe quel disque daté de plus de dix ans et n'étant pas ouvertement moqué. Inutile de dire que, pour Music for Airports, on le croise à tout bout de champ. Et là, nous ne sommes déjà plus dans la facilité d'écriture mais dans le contre-sens. Music for Airports n'est pas "intemporel", à entendre comme ce qui résiste à se fixer dans l'échelle du temps, il tout au contraire un disque qui fait date dans l'Histoire. Il est l'acte de naissance d'un genre pas commes les autres, l'ambient music, dont l'éthymologie revient à Brian Eno lui-même. L'ambient, très concrètement, c'est un tapis sonore où les beats sont absents. Son moteur philosophique est

son exigence à "s'adapter à de nombreux niveaux d'écoute sans en privilégier un en particulier" (Brian Eno, 1998). Cela implique que l'ambient doit pouvoir être musique d'accompagnement, musique-colorant, musique d'aéroport donc, et être capable dans un même temps de s'imposer comme musique de premier plan, récoltant toute l'attention son auditeur. Voilà pourquoi toute musique d'ascenseur n'est pas à référer à ce style.

Music for Airports se charge ainsi de lancer la machine ambient en quatre mouvements sobrement intitulés 1/1, 2/1, 1/2 et 2/2 et s'étalant chacun entre 8 et 16 minutes. Trois types d'éléments composent la musique: des claviers typiques du genre, des voix féminines synthétisées et le piano très minimaliste de Robert Wyatt. Les notes pleuvent par fines goutelettes, ne formant jamais à proprement parler des mélodies mais s'alignant avec harmonie, créant des climats assez indéfinissables et pourtant bien reconnaissables. Des climats hypnotiques.

Car, s'il y a une autre raison d'éviter de parler de ce disque comme d'une oeuvre intemporelle, c'est parce qu'il s'agit plutôt d'une musique "atemporelle". Je pinaille un peu, c'est vrai. Néanmoins le préfixe "a-" vient ici signifier l'absence pure et simple quand "in-" ennonce le contraire, un contraire qui a toujours besoin de la présence pour se référer (l'unité des contraires chez Hegel, pour la référence). Ce que cela veut dire plus simplement pour Music for Airports est qu'il transporte en dehors du temps, et que la surprise ne vient plus du fait qu'un morceau dure longtemps mais qu'à un moment donné il s'arrête. Pris dans un mouvement qui paraît sans limite, qui ne ne semble donc plus s'écouler et durer, la fin du morceau et le début du suivant viennent brusquement rappeler à l'ordre du temps, à la succession et pas à la répétition. Il s'agit là du seul défaut de Music for Airports, bien sûr incontournable, qu'il ne soit que l'illusion de l'atemporalité, rendu au réel du temps parce qu'il n'est qu'un disque et rien d'autre.

4.5/5

Rodion - Romantic Jet Set (Gomma/2007)

2008-02-20T17:47:00.006+01:00

Rodion est dans la place. Qu'est-ce que ça veut dire? Qu'il faut bouger son boule. Ed Canfianelli ne fait pas de concession: il pousse tout le monde à danser avec son disco dopé aux mentos. Pas de prise de tête, pas de progressisme comme chez Lindtrøm & Prins Thomas, Rodion dédie entièrement sa musique aux fêtes en fluo. Alors, bien sûr, on pourra dire que cela constitue la limite de Romantic Jet Set, qu'il n'est pas suffisament varié pour supporter une écoute attentive, dans un fauteuil Napoleon III, verre de Jack Daniel's à la main. Effectivement. Mais dans le cadre qui est le sien, la fête, encore et toujours, il est irréprochable. Les guitares slappées, les vocoders daft punkiens et les mélodies italiennes stupides s'agencent non sans tact autour de rythmes à peu près aussi simples et carrés qu'efficaces. Rodion a aussi la finesse d'esprit de ne pas aller trop loin: il reste à une dose de kitsch absolument nécessaire, indissociable du genre qu'il pratique, sans pour autant aller dans l'excès, dans la farce moderne. Ce qui donne en fin de compte un certain serieux à ce Romantic Jet Set euphorisant et irrésistiblement sincère, grand-messe de la fête-générosité comme l'est un téléthon où l'on a pu entendre, de la bouche de François Feldman, "Tout le monde debout !".

3.5/5

Jon Balke - Book of velocities (ECM/2007)

2008-02-19T14:38:00.005+01:00

Le réservoir Scandinave semble bien ne jamais vouloir s'épuiser. Ils arrivent par vague, ces jazzmen nordiques, depuis plus de vingt ans, et à chaque fois ils redessinent les contours du jazz contemporain. Jon Balke est de ceux-là, venant se faire connaître après le raz-de-marée de Nils Petter Molvaer, Bugge Wesseltoft, Tord Gustavsen ou bien sûr Esbjörn Svensson. Activiste depuis de nombreuses années (on l'entendait en 1985 sur Bande à Part avec Arild Andersen), Jon Balke ne se fait réellement remarquer que depuis peu, dans un relatif passage à vide de son fameux label ECM. C'est en 2005 que sortit l'intrigant Statements, mariage incongru entre la répétitivité d'un Nik Bartsch, les gimmicks de Nils Petter Molvaer ou Eivind Aarset et une ribambelle de percussions africaines. La surprise est donc double quand on apprend que ce Book of Velocities est une grande pièce solitaire, Jon Balke seul avec son piano, à la recherche d'un miroir musical à l'impression de vitesse – et à l'ivresse qu'elle procure. La pochette de l'album vient de la collection du pianiste lui-même, de la série de photographies où il essayait de capter sur pellicule cette sensation, avant donc de tenter de la retranscrire sur son instrument.

Jouer l'impression de vitesse n'est pas jouer vite, c'est jouer la perte d'équilibre, le continuel moment de vacillement où l'on est plus tellement à sa place, instant à la fois grisant et maladif. Jon Balke joue de toutes les possibilités de son piano, dans toutes ses sonorités, mais sans jamais pousser jusqu'à l'accident sonore, jusqu'au chaos. Il reste dans le dérèglement de mélodies toujours titubantes, invariablement présentes mais toujours à un doigt de la perte de contrôle.

Book of Velocities joue donc le trop plein de vitesse au moment où justement la tête tourne et ralentit les perceptions. Ce n'est pas rien d'arriver à ce vécu, et il ne reste plus qu'à féliciter Jon Balke pour ce joli simulateur métaphysique.

3.5/5

Funki Porcini - Fast Asleep (Ninja Tune/2002)

2008-02-19T03:07:00.006+01:00

Aucune nouvelle de Funki Porcini depuis ce Fast Asleep paru en 2002. À croire qu'il s'est fait prendre au piège qu'il avait alors tendu à ses auditeurs – les endormir au point qu'ils ne veuillent peut-être plus jamais se réveiller. Les premières parutions de cet expatrié sentaient pourtant bel et bien les Italiennes pulpeuses et, de manière prévalente, les regards lubriques de Britanniques gonflés à la bière qui s'y posaient. Hed Phone Sex était un modèle d'électro marrante, enlevée et pas mal perverse. La surprise est donc grande lorsqu'à l'introduction de Fast Asleep, on entend des samples lointains d'une navette spatiale narrant timidement quelque chose comme une tragédie futuriste à peine audible, noyée dans la musique ambient. Quelques morceaux plus loin, le tempo toujours au ralenti, c'est cette fois dans des salles de jazz enfûmées que l'on s'immerge. Des musiciens éprouvés jouent en boucle la même ritournelle triste. Puis plus tard la mélancolie vient poindre dans les trains japonais aseptisés, le temps d'un hip-hop déchiré. C'est un véritable carnet de voyage imaginaire, un voyage impossible à travers les époques, les planètes et les genres musicaux, une fausse épopée dans une machine bizarre qu'on appellerait nostalgie. Funki Porcini broie ses amours, les fout dans un shaker de comptoir et en fait un cocktail totalement neurasthénique, n'arrêtant à aucun moment de déverser ses effluves dans les canaux auditifis de l'endormi qui l'écoute. Fast Asleep exprime une fatigue qui, chez son géniteur, enveloppe tout son monde et contamine celui des autres. Et l'on se sent tellement bien à basculer de la sorte dans le sommeil que l'on a du mal à articuler, à prendre notre courage à deux mains pour dire que tout de même, il s'agit d'un immense disque d'ambiant-jazz psychédélique. Maintenant que c'est dit: bonne nuit.

5/5

The Magnetic Fields - Distortion (Nonesuch variete-2008)

2008-02-18T13:50:00.004+01:00

Les Magnetics Fields continuent leur vagabondage dans l'indie-rock américaine. Quelques quinze années après leur trilogie synth-pop, huit ans après la mine d'or 69 love songs (tout est dans le titre) et après un I pas mal critiqué en 2004, nous voilà face à un nouvel objet de ce groupe culte. L'idée de Stephen Merrit est de "sonner comme The Jesus And Mary Chain plus que les The Jesus And Mary Chain eux-même". Ravis de l'entendre, mais est-ce réussi? Bien entendu non, et pas seulement parce dépasser Psychocandy est difficile à imaginer.

Il y aura toujours pas mal de façons possibles de s'inspirer d'un groupe. On peut essayer d'en retrouver le geste artistique, de retrouver son trait de créativité pour le faire sien et le développer dans ses propres structures, ou bien simplement imiter ce qu'on entend. Distorsion des Magnetic Fields est clairement dans cette tentative de collage, singeant la production de leurs aînés en pensant du coup retrouver leur substance. Le résultat est assez navrant: des larsens de guitare qui viennent là comme ça et surtout une drôle de batterie, presque risible, qui en voulant sonner comme dans Psychocandy devient capable de ridiculiser son modèle. Le pire dans tout ça est que Merrit n'a pas l'écriture élégiaque des frères Reid, il est beaucoup plus à l'aise dans d'autres contrées, lo-fi, folk ou surf-pop. En résulte un hybride monstrueux comme California Girls, non-sens musical chantant les Beach Boys sur des montagnes de réverbérations.

Le problème à souligner également, plus que la médiocrité du disque, est qu'il jouit d'une forme d'immunité inquiétante. Le statut du groupe semble les autoriser à tout avec l'assurance des applaudissements. C'est d'autant plus gênant que le revival noise et shoegaze que l'on connaît aujourd'hui possède de bien meilleurs promoteurs, comme par exemple le méconnu Pluramon et son pourtant excellent Monstrous Surplus.

1.5/5

Meshuggah - Obzen (2008/NBA)

2008-02-16T17:13:00.003+01:00

Quelle horrible pochette, vraiment! Meshuggah est un spécialiste de l'artwork moche et ici, c'est comme on dit le pompon. J'aurais fait l'économie de la présenter si seulement le disque avait été bon. On se rend en effet très vite compte que rien n'a changé du côté des Suédois et que cela nous fatigue. Certains feront passer cette nouvelle mouture pour un retour aux sources, mais soyons serieux, augmenter le BPM de cinq points ne suffit pas à parler d'évolution. La vérité est que Meshuggah pond toujours le même album, dans une formule cloisonnée sur elle-même. Cette formule est un trash metal cérébral jusqu'à l'anévrisme, une forme de Machine Head transformé en laboratoire technique où tout se joue dans l'asymétrie et la polyrythmie. Passionant un temps lorsqu'on y jette une oreille mathématicienne, la musique de Meshuggah finit très vite par tourner en rond, délaissant un véritable effort de composition pour se concentrer sur le minuscule, une caisse-claire en contre-temps, une structure en 11/4 qui vient se greffer sur un 4/4 ou autres prouesses du genre. C'est simple, si l'on décroche quelques instants son attention, on se retrouve face à un metal parfaitement insipide, avec une voix médiocre et des riffs très chiants. On pouvait leur pardonner sur leurs premières moutures (dont le tout de même très bon Chaosphere), car tout ce petit monde paraissait quelque peu affamé, dans l'appétit d'une musique qui semblait leur venir du futur. Or aujourd'hui, ils sont rassasiés et nous aussi. On connaît la chanson. Et on aimerait ne plus en avoir de mauvais remake comme ce Obzen parfaitement inutile, démonstration s'il en est qu'il n'y a pas forcément grand écart entre mathcore et programmation informatique. Un conseil au groupe, donc, changez de système d'exploitation, MS Dos n'excite plus grand monde.

0.5/5

Junior Boys - So This Is Goodbye (Domino/2006)

2008-02-15T15:14:00.005+01:00

Essayez de vous souvenir ou au moins d'imaginer les "nightclubs" que l'on a connus en camping, à Port-Barcarès ou dans les bocages vendéens. On y dansait Cloclo et la Lambada pendant des heures jusqu'au moment intransigeant des slows. Quand le Dj lançait Still Loving you, beaucoup de coeurs se brisaient et pas mal de couples se formaient, dans une pluie de regards énamourés ou désespérés. Dorénavant, à part dans les endroits les plus cheap, tout ceci est révolu. On est maintenant dans une danse solitaire, les yeux fermés ou tourbillonants toute une soirée durant. Les Junior Boys, dans ce temple individualiste, viennent ressuciter les paroles langoureuses des Scorpions.

Qu'on ne s'y trompe pas, ces deux canadiens ne font pas dans le rétro. Ils sont au contraire à la pointe des modes, les maintenant en background pour laisser en devanture des mélodies pop comme on en fait plus. So This Is Goodbye est un disque de chansons d'amour enrobées de tout ce qui se fait de mieux aujourd'hui. C'est à dire, dans le souvenir du disco, des pointes de funk, des basses appuyées et des claviers doucereux. La voix du duo, omniprésente, évoque quant à elle le meilleur de Depeche Mode.

Parfait représentant du climat de l'album, Count Souvenirs allonge de sublimes plages vocales sur un disco lent et épuré. Au rayon des titres marquants, on notera aussi le très énergique tube In the morning, pas forcément très éloigné de Simian Mobile Disco, et When no one cares, reprise toute en douceur de l'inusable Franck Sinatra.

So This Is Goodbye, au final, nous laisse un désir confus, à cheval sur les époques: celui de s'appropier les clubs les plus branchés pour y danser un slow à l'ancienne, mains sur les hanches d'une jolie fille, parmi les points verts et roses d'une boule à facettes.

4/5

Matthew Herbert - Plat du jour (Accidental/2005)

2008-02-14T22:42:00.007+01:00

Il est d'un certain devoir éthique, dans la ligne éditoriale qui nous concerne, de nous intéresser aux disques qui parlent de nourriture. Ici, en l'occurence, de malbouffe. Car Matthew Herbert en a assez. Nous mangeons n'importe quoi, n'importe comment. Et en plus trop vite, par-dessus le supermarché. Pour y remédier, rien de tel qu'un brûlot politique, pense-t'il. Le livret de Plat du jour est de fait un pavé altermondialiste couplé d'une insupportable explication conceptuelle. Car oui, Plat du jour est une véritable prouesse technique: le disque est presque exclusivement réalisé à partir de samples en lien avec cette malbouffe. Cris de poulets, splotchs de yaourts et tintements de casseroles sont quelques uns des sons que l'on devine ça et là. Dans An apple a day, trois mille fans croquent une pomme devant le micro de Matthew Herbert. Marrant, me direz-vous. Certes, à ceci près que Plat du jour est d'un ennui mortel. Tous ces samples azimutés sont en effet savamment restructurés dans une électro conventionnelle au possible, avec un brin de groove, un peu de mélodies et surtout pas beaucoup d'inventivité. Coupé de son concept et donc, je le répète, de son livret assomant, ce disque n'est qu'un plat discount de crudités même pas assaisonnées. Triste retournement, finalement, qui fait d'un objet supposé révolutionnaire un aliment mangeable mais fade et sans saveur. Pour accompagner un bon cassoulet, des sushis ou même un steack de kangourou, on repassera, et on cherchera plutôt du côté des disques qui ne s'expliquent pas.

2/5

Daniel Darc - Amours suprêmes (Mercury records/2008)

2008-02-14T17:26:00.011+01:00

Chaotique est le moindre des adjectifs lorsqu'il s'agit d'écrire la vie de Daniel Darc. Ex-chanteur vedette des Taxi Girl, il connaît sous son propre nom, depuis 1986, une carrière des plus douloureuses. Junkie romantique, il se met au rythme désolé des overdoses et des mutilations, accouchant de disques-blessures qui sont à chaque fois comme des testaments, toujours rendus ridicules par une mort sans cesse ajournée. Maintenant, depuis une poignée d'années, Daniel Darc va mieux. En 2003 est sorti Crève-coeur, et ce fut un succès total, public, critique et presque moral. Accompagné du précieux Frédéric Lo, Daniel Darc y évoquait ses drames, bien sûr, sa détresse stagnante, mais pour la première fois avec sérénité et zests d'espoir. Lors de ritournelles synthétiques et minimalistes, il y dévoilait un équilibre vital largement empreint de foi chrétienne et beatnik.

Dès lors, après ce disque enfin cathartique, Darc a gagné en légèreté. Il a monnayé sa plume auprès de Thierry Amiel, Alizée ou Elisa Tovati. Pour ce nouvel album, Amours suprêmes, il a confié avoir renoncé à ses plus grandes ambitions. Désormais, il ne cherche plus le disque définitif, car d'autres viendront après, car aujourd'hui il peut s'inscrire dans une histoire, laissant à plus tard un jugement dernier qu'il vivait sans cesse. C'est bien là la limite d'Amours Suprêmes, construit dans la continuité de Crève-coeur et paresseux à plus d'un titre. Des redites parsèment ce disque fainéant qui, tant dans l'écriture que dans la composition (avec encore Frédéric Lo), sent quelque peu le réchauffé. Une tendance FM se fait aussi sentir au travers des refrains bien trop grandiloquants de La vie est mortelle, de J'irai au Paradis ou des Remords. On préfère donc les espaces intimistes, dont la très belle ça ne sert à rien où Robert Wyatt vient offrir son souffle et son apesanteur.

Amours suprêmes nous laisse dans un dilemne. Il est encore bien au-dessus de la mêlée française et pourtant très faible comparé à son prédécesseur. Mais surtout, son insuffisance tient à ce que son auteur est en rédemption. Daniel Darc, on l'aime donc un peu moins comme artiste, mais, après tout ce qu'il nous a confié sur le fil du rasoir, on peut le laisser se reposer un peu, jouir de son apaisement et le regarder dans sa sieste, le sourire sur nos lèvres.

3/5

Carl Craig - More songs about food and revolutionary art (Planet E/1997)

2008-02-13T16:24:00.023+01:00

Quand on parle de Carl Craig, on associe deux dimensions, celle d'un héritage évident du son de Detroit (et la réactualisation perpétuelle des fantômes de Derrick May et Juan Atkins), et celle d'un éclatement de ces mêmes références patriarcales. Le mouvement musical de Carl Caig a toujours été dans le champ de la surprise, jouant de la house funky (Paperclip people) aussi facilement que dirigeant un band de jazz (The Detroit Experiment, Innerzone Orchestra) ; mais oscillant entre les genres sans jamais s'éloigner d'un même noyau, inattaquable et franchement immuable, qui est celui de cette tradition techno de Detroit. Le parcours discographique du bonhomme a donc ceci d'impressionant qu'il est aussi rapide et en constante mutation qu'il est passéiste et immobile sur ses racines. More songs about food and revolutionary art, dans l'ensemble de l'oeuvre de son auteur, est le la fois le manifeste et le chef d'oeuvre de ce curieux jeu d'avancées et de fixations.

Comme dans le célèbre Landcruising, les nappes futuristes cotoient des rythmes mid-tempo forcément inspirés de la musique black. Mais cette fois-ci les structures volent en éclats et les morceaux prennent des contre-sens étonnants vers des sphères trip-hop (Red Lights), ambient (Goodbye world), jazz (Food and Art) ou carrément innommables (Attitude). L'éclectisme est donc de rigueur, se retrouvant néanmoins sur un même fil autant expérimental que mélancolique. Grand disque contemporain d'explosion des acquis, More songs about food and revolutionnary art est donc tout autant un long poème nostalgique, tout entier orné de mélodies angéliques et des claviers vaporeux.

Depuis 1997, les choses ont beaucoup changé. Choses technologiques, choses esthétiques. Le disque vieillit énormément, et pas nécessairement pour son mal. Car encore une fois, on pourra y poser une oreille alanguie, sur la matière d'une relique, petite madeleine électronique, et l'on s'étonnera souvent de ne pas y voir que l'empreinte d'une vieille époque mais aussi un disque visionnaire, free et sûr de soi.

5/5